Lettera 22 - Appunti dal Teatro Festival Italia

Le Animenere arrivano a Scampìa. Anzi, no: sono ovunque!

2008-06-30T13:26:00.000-07:00

- Sono arrivati, guardali!
- Sì, son loro: fa’ finta di niente… mica li puoi fissare così!

- Noi chiediamo poco: solo la vostra fiducia e questo Paese risorgerà dalle ceneri realizzando i vostri sogni, che sono anche i nostri.

Ah, se di Belmondo fosse piena l’Italia! Una bella famiglia di spiriti liberi e vincenti, di quelle che le guardi e vorresti proprio assomigliare a loro. Un’eleganza raffinata, che lo capisci subito che sono andati tutti alle migliori scuole, e l’Amalia s’è pure laureata: mica è solo bella! S’è poi sposata con u’ poeta, come lo chiamano in giro, uno un poco sgarrupato che dice d’essersi messo in sciopero fin dalla nascita, ma che di bellezza se ne intende. E pure Amalia d’arte ne capisce: un cervello fino tanto da proporre al suo ricchissimo padre di trasformare i musei in parchi a tema, dal barocco al rinascimento, dal rococò al gotico. Tutti con una funzione sociale, mica tanto per fare: musei per single, “love & art”.
I Belmondo fanno davvero invidia. Abiti griffati, istituti di bellezza, un tiro a golf tra un impegno e l’altro, sempre abbronzati e in forma, con quella erre moscia che ne certifica il sangue blu.
C’è solo un neo in tutto questo vanto: Andrea, l’animanera della famiglia. Quel figlio ingrato che di seguire le orme di cotanto ingegno non ne vuole proprio sapere.

Gente ricca i Belmondo, e mica stanno lì ad aspettare che i soldi scendano per caso dal cielo. Sanno lavorare e pensano al futuro: i due fratelli hanno progettato 152 aeroporti per raggiungere tanti sperduti paesini italiani. E poi sì che la comunicazione sarà facile e veloce!
E c’hanno un pensiero pure per gli anziani. Tutto il Sud Italia verrà edificato, diventando località di riposo e divertimento per la terza età del Nord Europa. Già ci spero per la mia vecchiaia, e quasi quasi m’informo se hanno aperto una lista d’attesa e mi prenoto. Speriamo mettano anche i grandi magazzini e tante palme: sarà come stare a Miami!
Certo che, però, con i tempi lunghi della burocrazia… Già, ma loro mo’ entrano in politica, perché il Paese lo vogliono davvero migliorare: “L’era della felicità è arrivata e c’è posto per tutti, pure per gli oppositori. Noi siamo per la libertà, il benessere, la prosperità”.
Mi pare un sogno. È arrivata l’epoca della leggerezza. E chi l’avrebbe mai sperato che l’Italia sarebbe diventata così!

Daniela Arcudi

La famiglia ai tempi del colera

2008-06-30T01:00:00.000-07:00

È un flusso di coscienza quello che viene portato in scena da Carmelo Rifici, regista di Chie-chan e io, tratto dall’omonimo romanzo di Banana Yoshimoto, al debutto assoluto al San Ferdinando di Napoli il 13 giugno. Ad adattarne il testo il suo traduttore di sempre, Giorgio Amitrano.
Difficile trasporre teatralmente un lavoro della celebre autrice giapponese. Perché Banana Yoshimoto non punta su grandi azioni o dialoghi ritmati, motori di un più semplice adattamento per le scene. Tra le sue pagine quel che si muove sono i sentimenti, la memoria, le atmosfere. E forse per questo, tra i suoi lettori, o è molto amata o non piace per nulla.

I testi della Yoshimoto andrebbero letti in solitudine, così da immergersi in quel rapporto intimo e psicologico con i personaggi. Eppure il teatro è proprio il contrario. Così Rifici, nello spettacolo, tenta di mantenere questo scorrere narrativo continuo, rappresentato anche da un ininterrotto movimento sulla scena, un fluire dolce e incessante.
A racchiudere i movimenti un involucro quasi asettico, di un bianco clinico addolcito nelle forme, che permette di esaltare gli elementi colorati al suo interno: abiti, accessori, luci di scena.

Ancora una volta Banana Yoshimoto rappresenta un nuovo gruppo familiare, in cui ai tradizionali elementi se ne sostituiscono di alternativi. Nei suoi testi la famiglia d’origine, quella biologica, non ha ormai più - da tempo - il ruolo di protagonista, sostituita da una rete di relazioni e d’appartenenza scelte giorno per giorno. Un rapporto tra cugine diventa così il motore dietro a cui si movimenta la storia, che viene presentata al pubblico quasi fosse un sogno. Il regista dà vita alle quattro Kaori su un andamento polifonico che sembra costruire una partitura. Dall’altro lato Chie-chan, l’anima fragile, da accudire, su cui riversare tante sfumature d’amore. Un’affinità elettiva che completa e chiude al resto del mondo. Loro due, le ipomee e quel bozzolo protettivo in cui non c’è posto per nessun altro.

Daniela Arcudi

A teatro con F. - La Medée di J.L. Martinelli

2008-06-28T09:53:00.000-07:00

Mi telefona F. Dice: “Di notevole questa settimana non mi sembra di aver visto molto, se si toglie una lite tra due zampognari in 600 e un Babbo Natale in altra utilitaria per una questione di paraurti ammaccati”. F. è il solito incontentabile. E’ estate, ma sogna il freddo del Natale. Voglio tirargli su il morale quando lo invito al Napoli Teatro Festival per vedere uno spettacolo, una Medea recitata da attori del Burkina Faso, con la regia di Jean Louis Martinelli. Poi mi è viene in mente che qualche anno fa, parlando di altri allestimenti di Medea, si era lamentato del fatto che tutti si risolvono “in cronache di casi-limite e un tantino deplorevoli”. Un suo modo per dire che la tragedia rischia di diventare una disputa da tinello, da donnette romane d’invenzione, tipo Moravia. Chissà cosa penserà questa volta. Ci sediamo all’aperto, all’Albergo dei Poveri. Un’attrice africana allestisce un fuoco sul palco. F. alza gli occhi al cielo. Romba un aereo. Lo spettacolo inizia. F. sorride quando vede sgambettare i figli di Medea, pronti a essere assassinati dalla madre, ignari del loro destino. E lo vedo fare un salto sulla poltrona quando spunta Creonte, il dittatore in giacca e cravatta e Giasone, il social climber depresso e un po’ parvenu. Medea, intanto, interpretata da Odile Sankara, fa pensare a un animale selvatico, mi piace. Cerco lo sguardo di F., che invece armeggia col suo taccuino. Scrive che questa Medea non è semplicemente “una moglie straniera, una displaced-person abbandonata e colta da un improvviso accesso di follia”. In effetti c’è dell’altro. Nessun tentativo di attualizzare Euripide trasformandolo in un sociologo della famiglia. Ma l’Africa, col suo carico di miti e di terra rossa, dove gli dèi non sono ancora finiti in esilio. F. fa spallucce. Sembra aver sentito i miei pensieri. E sorridendo dice: “Ma chi ha detto che la tragedia è una razza estinta?”.
(F. è Ennio Flaiano. Quello che dice è tratto dalle recensioni che scrisse, sull’Europeo del 1966 e 1967, sulla “Lunga notte di Medea” di Corrado Alvaro e sulla “Medea” di Jean Anouilh).

Rosella Bettinardi

QUEL '700 DI DE SIMONE di Valerio Balestrieri

2008-06-28T05:38:00.000-07:00

Il nuovo spettacolo mise en scène di un medley tra opera popolare e opera in musica

LO VOMMARO A DUELLO
Ideazione, drammaturgia, composizione musicale
e regia Roberto De Simone

regista collaboratore Mariano Bauduin
coreografie Renata Fusco, Paolo Romano
scene Nicola Rubertelli
costumi Zaira de Vincentiis
maestro concertatore e direttore d’orchestra Renato Piemontese

MY Showreel

Durata: 2h e 45 minuti
TARGET - Spettatore livello EXPERT dai 30 anni in su

DRAMA - Perfetta fusione di genere e stili, solo come il ‘maestro’ sa fare. ‘Lo Vommaro’ (1742) di Pasquale Starace incontra di striscio ‘Il duello comico’ (1774) di Giovanni Paisiello; è come se le due storie viaggiassero su binari contemporanei, unico filtro, prima di raggrupparsi nel finale, una luce blu che distanzia. Il lavoro in realtà esprime un estremo gioco linguistico che antepone o compone il vernacolo popolare, la letterarietà barocca e il ricco linguaggio musicale dell’opera, in una partitura drammaturgica a balzi. Tema comune la temporalità: il Settecento. I colori di ‘Lo Vommaro’ sono quelli che ci si aspetta da De Simone come popolarità, ironia, situazioni e costumi in grande stile: la trama da ‘campiello’ è un gioco di detti e non detti tra lazzi, promesse e servitori (di due padroni). Il ‘duello comico’ è un farsa in musica ambientata nella Napoli ‘francese’ con caratteri e maschere di atmosfera goldoniana: anche qui il duello diventa escamotage per risolvere amori, sciogliere nodi con lieto fine da prassi.

SET – La cornice è perfetta; T eatro Mercadante con loggioni e affreschi al soffitto; orchestra in buca, musici acustici in scena. Il vico di sfondo, giocato sui toni bianchi, diventa popolare o borghese attraverso un preciso gioco di luci, che lo rendono funzionale contenitore della piecè.

ACT – Maschere e costumi aggiungono, come dev’essere, e non tolgono forza ai caratteri di scena; profonde certezze come Angela Pagano e Antonella Morea, fedeli scudieri del maestro ed Enrico Vicinanza, nel ruolo di Nora, rendono agevole un genere non per tutti. Perfettamente in sincrono gli altri, interpreti d’opera compresi.

MOOD – Semplicemente alla ‘Roberto De Simone’, profondo, ricco e incondizionatamente espressivo, propone un paio di momenti da enciclopedia del Teatro: la ‘ninna nanna’ a cappella di Angela Pagano e la ‘tammurriata’ di gruppo nel sotto finale. Il lavoro evidenzia la coraggiosa capacità di ‘innesco’ misurato tra arti, storia e linguaggio, modulato da chi, a suo modo, ha contribuito, senza dubbio alcuno, alla storia del Teatro Italiano del ‘900.

Una produzione
Napoli Teatro Festival Italiain
coproduzione con
Fondazione Teatro San Carlo di Napoli

"Pantagruel Sister-in-Law" di Silviu Purcarete

2008-06-28T04:28:00.000-07:00

PANTAGRUEL SISTER IN LAW - Ingredienti per una sera di giugno:

-Un palco 16x12

-16 attori, 2 musicisti

-Un pulcino invisibile

-Un dito fastidioso

-Stoviglie in abbondanza

-Tavoli, secchi, candele, lenzuola

-Suoni

-Rumori sinistri

-Acqua

-Farina

-Abbondante ironia

PREPARAZIONE

Azzerare sesso e caratteri dei personaggi.

Esumare un corpo fresco e nudo dalla sabbia ed estrarre gli organi.

Prendere l'istinto di sopravvivenza e tirarlo ai massimi creando fame e poi fame di altra fame, come dire di altra vita.

Riempire ogni angolo della scena con movimento continuo.

Aggiungere sentimenti rozzi e reazioni primitive.

Intessere, in frenesia di branco famelico, trame d'umanità estrema e montare a neve.

Mettere da parte un po' d'inquietudine, per far passeggiare allegramente un uomo decapitato in un cimitero di sudari animati.

Utilizzare musica, canto lirico e coro per drogare i sensi.

Destrutturare ogni convenzionalità.

Aggiungere succo di sogno, crema di ipnosi e polvere di incubi assordanti, evitando tuttavia che il preparato di nonsense si ammassi e faccia i grumi.

Se la maionese di corpi impazzisce, alzare il fuoco di rumori, percussioni, belcanto e urla, per tenere a bada i demoni.

Infornare nel boccascena e lasciar cuocere per circa 90 minuti.

Servire dinamico, sporco, sudato e sorridente.

Attenzione: non prendere mai niente troppo sul serio, non cercare in nessun caso, gustando, alcun sapore di affondo filosofico. Mai abbandonarsi alla disperazione, mai pretendere niente di più di una semplice autopsia dello spirito.

La frenesia non è solo primitiva, è vero, c'è molto calcolo nel solleticarsi a vicenda quella fame, molto zelo crudele nell'impastare la farina di carne che Pantagruel arriverà infine a consumare, in una sorta di eucaristia orgiastica. Ma è l'unico ragionamento che ci si permette, in questo sogno ad occhi spalancati. Il cervello viene mangiato quasi subito. Ha trovato il proprio spazio dentro lo stomaco. Chissà più di chi. Questo è vero Teatro.

Sergio Lo Gatto, Lettera 22

“Death is certain”

2008-06-28T04:07:00.000-07:00

SIAMO TUTTI CILIEGIE: QUANDO CI APRONO SIAMO ROSSI.

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Che la morte sia una certezza è un’idea talmente lampante e ordinaria che la cultura occidentale la vuole, attaccata com’è alla materialità della vita, allontanare, nascondere con il vizio del fare, del programmare, del progettare. La crescita esponenziale manageriale, quella che ti fa credere, sprovveduti ed illusi, che domani sarai migliore di oggi, quando invece hai solamente un giorno in meno da poter spendere. E non c’è salvezza, che questo sia chiaro. Da una parte il tavolo con i ferri del mestiere, con gli strumenti che porteranno dolore e procureranno la morte. Eva Meyer Keller nel suo spazio bianco manicomio asettico non prova pietas, ma neanche accanimento. La tortura è un lavoro come un altro: il carceriere statunitense che percepisce uno stipendio per abbassare la leva della corrente della sedia elettrica aziona il meccanismo e si toglie dalla schiera dei disoccupati solo perché sa che altrimenti lo farebbe qualcun altro al posto suo. Non è un problema di morale che, qui come nella quotidianità, è sorpassato dalla necessità. Fare quel che si deve. E farlo bene. Arrivare alla conclusione del progetto. Trattare la fine, altrui, come l’inizio del normale percorso della propria giornata, senza affibbiargli, addosso, sopra, dentro, troppi significati. La morte c’è. Eccovela, ve la sbatto in faccia. La morte è sporca, come la vita. Produce liquami, schizzi. La morte fa rumore, la morte è schifosa. Perché storcere il naso? E’ inutile che siate disgustati, finti, falsi e ipocriti. Ai kamikaze iracheni ci abbiamo fatto il callo, agli 11 settembre no. I morti non sono tutti uguali. Cesare Pavese la pensava in maniera differente. Il rosso imbratta il tavolo che diventa campo di battaglia tumefatto. Ciliegie come martiri cristiani: impalate, annegate, ingabbiate in gogne medievali, crocifisse al muro, squartate, gassate da campo di concentramento, arse come Giovanna d’Arco, d’iniezione letale alla U.s.a. (e getta), scarnificate come San Sergio, infilzate con aghi da voodoo, infilate in mini botti chiodate e shakerate come Attilio Regolo, disossate, sepolte vive, buttate nel cemento alla maniera mafiosa, murate vive come il conte Ugolino o trapanate da dentista de “Il maratoneta”. L’importante è finire, cantava Mina. Sangue, sesso, sport, spettacolo, soldi. Le cinque S dell’attrazione della comunicazione. Il pubblico sadico fa le foto con i videotelefonini, chè la morte fa sempre show, la morbosità di rallentare in macchina guardando il corpo del motociclista con la testa sul marciapiede, la voglia repressa degli scatti di Lady D agonizzante. La strage delle innocenti è compiuta. Complici, assassini alla pari del macellaio. Come non vederci i Khmer Rossi cambogiani, tutti i Garage Olimpo disseminati, Gli Hutu e i Tutsi ruandesi, Saddam con i curdi, Putin e i ceceni, nazisti vari. Che la tortura è comunque forma d’intelligenza e d’inventiva.

Medea burkinabè

2008-06-27T18:07:00.000-07:00

È riuscito a far parlare persino gli aerei di passaggio il regista Jean-Louis Martinelli; sfrecciando a bassa quota sul teatro a cielo aperto del Reale Albergo dei Poveri davano lampi di sospensione e mistero alla furia di Medea-Odile Sankara, interrompendo i canti salmodiati della tradizione Bambara sull’abbandono, l’amore per i figli e la durezza dell’esilio, imponendo il fermo immagine ai sorrisi finti di un Giasone-fotomodello in doppiopetto grigio che rinnega sua moglie per il jet-set omologato e convenzionale di re Creonte. Nessun effetto speciale, nessuna amplificazione ulteriore, solo il rumore degli aerei veri (ipertecnologico, quotidiano e alieno, celeste e terrestre allo stesso tempo) che appena dopo il decollo prendevano quota verso il buio, entrando a loro insaputa nello spazio scenico di una tragedia scritta da Euripide, tradotta in lingua occitana da Max Rouquette e travasata di nuovo nel francese attraverso il filtro di un dialetto burkinabè. Suoni quotidiani e alieni fanno da colonna sonora a Medea-Odile, terribile quando fissa un punto mentre la mano vaga persa lungo il bordo della veste blu chiazzata di scuro, il ricordo del mare e della salsedine che porta ancora cucita addosso, residuo del tradimento e della strage dei suoi per amore di un uomo che la sta trattando come un ferro vecchio. E di ferri vecchi, impalcature rugginose, secchi di plastica sporchi è piena la scenografia, fatta soprattutto di persone. “Se vuoi andare veloce vai da solo. Se vuoi andare lontano vai insieme agli altri” dice un proverbio africano; il coro è parte del racconto perché la persona non esiste se non in una trama di rapporti, l’amore uomo-donna è talmente forte e pieno di promesse da distruggere tutto quando è trascinato del fango. Martinelli racconta una furia impossibile da controllare attraverso i cardini della cultura tradizionale africana, come il rapporto con l’acqua o il fuoco, prezioso per disinfettare e proteggere; elementi banali e scontati per noi, fattori che decidono tra la vita e la morte in Burkina Faso, dove l’acqua non c’è e quando c’è può essere contaminata, può far ammalare o salvare un villaggio intero. Il bidone arrugginito colmo di pioggia dentro cui parla Odile-Medea non serve solo ad amplificare la voce, ma racconta anche la nostalgia per l’infinito di un Paese che non ha accesso al mare. Dell’uccisione dei bambini resta l’abluzione rituale e un segno di gesso bianco in mezzo al petto, perché una regina che muore deve essere accompagnata da altre morti; a Lagos, nella vicina Nigeria, si dice che il corpo del sovrano deve essere fasciato di cadaveri, altre sette salme devono impedirgli di toccare le pareti della sepoltura. Per questo Medea, morta dentro, ha bisogno del cadavere dei figli.

Silvia Guidi, lettera22

Senza sangue

2008-06-27T18:03:00.000-07:00

“Senza sangue”, ovvero l’amore ai tempi di Twin Peaks, dove il colera del male e della crudeltà viene disinfettato dall’algida perfezione della tecnica. O anche la parabola di Lolita al contrario, visto che il libro di Baricco è un pretesto per raccontare una storia dove il killer (nome di battaglia Tito, vent’anni) riscopre il suo vero nome (un nome da campesinos, Pedro Cantos), e la voglia di ricominciare grazie allo sguardo di una ragazzina, Nina Roca, ritrovata dopo trent’anni. Una ragazzina che lo guarda tranquilla dal fondo di una botola, “con le labbra ben disegnate, la camicetta bianca e la gonna stirata, pulita e tiepida come un animaletto nella tana”; dovrebbe ucciderla perché è l’unica testimone dell’assassinio di suo padre e di suo fratello, ma non lo farà. Sarà questa “l’unica cosa pulita da cui ripartire” in una vita sbagliata.

Juan Carlos Zagal ha scelto di raccontare la storia di Nina con i colori freddi e iperrealisti dei quadri di Hopper e dei film di David Lynch, gli interni di caffetterie semivuote o affollate di avventori-spettri che virano sul rosso magenta, i boschi ottenuti dalla trasparenza di fotografie sovraesposte in tutti i toni dell’azzurro. Nina è una piccola Laura Palmer televisiva annegata in una vita non sua, avvolta in un cellophane trasparente di menzogne; a distanza di trent’anni, una donna con il viso pallido, i capelli platinati, la voce incolore e i movimenti legati da un rancore represso troppo a lungo, una “donna chiocciola” che tiene il suo vero io ben nascosto al riparo dall’esterno.

In “Senza sangue” l’effetto speciale, la sovrapposizione tra videografica e attori non è più un optional, ma è uno spazio da abitare. Salinas, Tito ed El Gurre (i tre “cattivi” che appaiono sullo schermo-palcoscenico all’inizio della piéce) camminano in un cartone animato abitato dai fantasmi, con sulla faccia le maschere da fumetto di Sin City, la città del male del famoso e copiatissimo film di Frank Miller. Il momento dell’ omicidio è solo disegnato: uno schizzo di sangue rosso su nero, versato sullo schermo. Potrebbero spuntare in ogni momento Benicio Del Toro o Clive Owen vestito da vendicatore solitario, tanto le immagini ricordano i fumetti della Dark Horse Comics, se la storia del Paese di origine della compagnia non facesse sentire la sua presenza: il Cile con tutto il suo bagaglio di ferite da guerra civile, i suoi slogan vuoti (come la necessità di “arare la storia con il sangue versato” e l’apologia della “percentuale di strage necessaria”), e il terrore per tutto ciò che è “roto” (volgare, dozzinale, banale) tipico degli ambienti artistici di Santiago, che porta all’estremo la sperimentazione hi-tech.

Silvia Guidi, lettera22

Storm/O al Reale Albergo dei Poveri

2008-06-27T17:57:00.000-07:00

Dal nero dell’inizio non si distingue molto: il bianco che vibra al centro della scena è un seme di mela che si spacca per crescere, o una cellula che si divide in un embrione. Ma lo spazio bianco che pulsa e si muove sono anche due mani che intrecciano un tessuto, e le pinze incandescenti che stanno dando forma a un vaso trasparente di vetro soffiato. Dal buio, intanto, la musica sta dicendo emozioni più grandi; è sempre nascita, respiro, sguardo che si allarga, occhi che cercano qualcosa, volti ad uno spazio interno. Giuliana si serve di tutto: il respiro corto e veloce di una salita, le voci dei bambini che imparano a leggere, gli accordi della viola barocca e le architetture invisibili delle Follie di Spagna. Anche del timbro ricco e rassicurante della voce di Claudio Capone, il doppiatore di Beautiful, (è lui l’inventore della tenerezza lenta e trasognata di Ronn Moss, dell’entusiasmo giovane di Luke Skywalker in Guerre Stellari, dell’ironia lieve di Oscar Wilde e delle risate yankee di Don Johnson in Miami Vice). È sempre lui, la celeberrima voce fuoricampo di Super Quark, che spiega serenamente l’autocannibalismo degli alberi d’inverno, il macerarsi delle foglie che porterà sostanze chimiche preziose attraverso le radici appena risalirà la temperatura e il sole sarà meno basso all’orizzonte, la fatica segreta dei germogli che si nascondono sotto la corteccia, le mille venature invisibili della clorofilla, mentre Giuliana “indossa” una parte di bosco e danza lentissima e concentrata come una combattente ninja impegnata in un rito, nascosta in un vestito nero opaco che assorbe totalmente la luce, sotto una voliera-microcosmo pulsante di vita vera ma sognata, come in un quadro di Hyeronimous Bosch. “In un istante, l’incanto del mondo rinato agli occhi” c’è scritto sul foglietto fucsia e bianco che racconta Storm/O prima di passare davanti al grande quadrato nero che lo contiene. “Come succede in teatro, quando si apre la scena, sempre dopo l’inizio della musica. Restano aperte tutte le domande intorno a questa meraviglia”. Perché la musica dice emozioni più grandi; è sempre nascita, respiro, sguardo che si allarga, occhi che cercano qualcosa, volti ad uno spazio interno, e Giuliana ha trovato le immagini giuste per dirlo. Dal nero dell’inizio non si distingue molto: il bianco che vibra al centro della scena è un seme di mela che si spacca per crescere, o una cellula che si divide in un embrione. Ma lo spazio bianco che pulsa e si muove sono anche due mani che intrecciano un tessuto, e le pinze incandescenti che stanno dando forma a un vaso trasparente di vetro soffiato. Dal buio, intanto, la musica sta dicendo emozioni più grandi; è sempre nascita, respiro, sguardo che si allarga, occhi che cercano qualcosa, volti ad uno spazio interno. Giuliana si serve di tutto: il respiro corto e veloce di una salita, le voci dei bambini che imparano a leggere, gli accordi della viola barocca e le architetture invisibili delle Follie di Spagna. Anche del timbro ricco e rassicurante della voce di Claudio Capone, il doppiatore di Beautiful, (è lui l’inventore della tenerezza lenta e trasognata di Ronn Moss, dell’entusiasmo giovane di Luke Skywalker in Guerre Stellari, dell’ironia lieve di Oscar Wilde e delle risate yankee di Don Johnson in Miami Vice). È sempre lui, la celeberrima voce fuoricampo di Super Quark, che spiega serenamente l’autocannibalismo degli alberi d’inverno, il macerarsi delle foglie che porterà sostanze chimiche preziose attraverso le radici appena risalirà la temperatura e il sole sarà meno basso all’orizzonte, la fatica segreta dei germogli che si nascondono sotto la corteccia, le mille venature invisibili della clorofilla, mentre Giuliana “indossa” una parte di bosco e danza lentissima e concentrata come una combattente ninja impegnata in un rito, nascosta in un vestito nero opaco che assorbe totalmente la luce, sotto una voliera-microcosmo pulsante di vita vera ma sognata, come in un quadro di Hyeronimous Bosch. “In un istante, l’incanto del mondo rinato agli occhi” c’è scritto sul foglietto fucsia e bianco che racconta Storm/O prima di passare davanti al grande quadrato nero che lo contiene. “Come succede in teatro, quando si apre la scena, sempre dopo l’inizio della musica. Restano aperte tutte le domande intorno a questa meraviglia”. Perché la musica dice emozioni più grandi; è sempre nascita, respiro, sguardo che si allarga, occhi che cercano qualcosa, volti ad uno spazio interno, e Giuliana ha trovato le immagini giuste per dirlo.

Silvia Guidi, lettera22

Ceneri/ 2

2008-06-27T17:49:00.000-07:00

Il giorno dispari di Lello Voce

"Non si preoccupino eccessivamente le signorine in sala, ma io in questo momento le sto toccando. Con la voce, ovviamente, ma la voce è qualcosa di solido, che raggiunge e attraversa il corpo. Se urlo il vetro inizia a tremare, la voce è materia e io la voglio usare così". La parola di Lello Voce fa quello che dice, incomincia a colare lentamente fascino e menare fendenti sulle educate teste pensanti di chi ascolta, sia nelle stanze di Palazzo Reale, nella linda e luminosa presentazione del mattino, sia nell'oscurità fumosa del Night Barocco della Certosa di San Martino, con la sua luce malata e angosciata, assediato dalle ceneri, ma soprattutto dalle colate laviche di un predicatore innamorato delle Ultime lettere di Jacopo Ortis. Sì, proprio Ugo Foscolo, quello degli eterni temi nelle classi di liceo, un big misconosciuto perchè visto sempre e solo attraverso strati multipli di letture scolastiche banali.
La sfida è parlare di quanto siamo tutti, profondamente, intensamente perfidi, senza nessuna pietà, soprattutto per noi stessi, uniti dalla "fratellanza della ferocia condivisa". "E sempre accadeva che un Corpo cadesse spossato e gli altri, scoperta la fratellanza della ferocia condivisa, gli si facevano intorno e lo finivano, e poi, senza che ancora una sola parola fosse pronunciata, lo sbranavano e se ne cibavano". Questo all'inizio dei tempi, nell'era precedente al ferro e al fuoco, ma ancora adesso: impegnati a mangiarci l'un l'altro, non riusciamo a parlare finchè la bocca è piena di brandelli, finchè prevale la logica del branco. Che poi il fagocitarsi si compia per opera di clave e zanne, attraverso uno stupro di gruppo o mediante una lenta opera di ricatto morale o materiale, poco cambia. Siamo comunque vittima di un prosciugamento di ossigeno, e di voglia di vivere, attraverso un'opera al nero al contrario, un'alchimia che riduce tutto in cenere invece di trovare l'oro della pietra filosofale. Vietato chiamarlo cannibale (si offenderebbe moltissimo) proprio perché lo è davvero, e disposto a condividere i suoi eroici furori, e le sue poche certezze: "Il poeta in fondo è un lavoro del cazzo, stare da solo mi dà angoscia, e siamo da soli non serviamo a niente. Pubblico non è una brutta parola, sono un animale sociale, non un librettista. E voi, fatela la fatica di uscire, anche solo per andare al cinema, non rassegnatevi alla solita cassetta nel lettore dvd sul divano di casa. Da soli, prima, durante e dopo" Ce l'ha con tutti, Voce con la v maiuscola, anche con i grandi romanzi, golosamenti portati a casa nel cellophane da chi vuole solo annusare il profumo di un'altra vita e di un'altra solitudine, e non ce la fa a rischiare davvero una vita propria. Abbasso la solitudine, l'autoerotismo (intellettuale e non), rischiate, abbiate la forza di essere vivi.

Silvia Guidi, lettera22

Ceneri/1

2008-06-27T17:46:00.001-07:00

Padre Lubrano,

il Quentin Tarantino

del Seicento

Il grande inquisitore ha il sorriso docile e inerme di Silvio Orlando, ingessato da un'enorme gorgiera bianca a fisarmonica, infagottato in un pulpito gonfio di stoffe pesanti e broccato, ma il pubblico non ne accorge subito; prima c'è il buio morbido della Certosa di San Martino, la luce polverosa dei faretti che spinge gli sguardi rasoterra e li guida verso le volute dense di fumo che disegnano spirali e d ellissi barocche in movimento. Esattamente come i girali delle decorazioni alle pareti. Il fumo è la dimensione visiva della voce che abbraccia gli ascoltatori e si dissolve, avvolge e rivela, è l'immagine stessa del respiro che penetra nei polmoni e scompare, delle architetture debordanti delle frasi, appoggiate al basso ostinato della musica, all'angoscia della viola da gamba che più di tutti gli strumenti è in grado di clonare la voce umana. La chiesa non c'è più, o meglio, diventa per tre quarti d'ora qualcos'altro, probabilmente quello che doveva essere quando è stata pensata: una culla di buio scaldata dal bagliore del legno dorato al tremare delle candele, al guizzo incerto delle lampade, riccioli di marmo candido che invadono il vuoto a ondate di schiuma. L'”Inventario dei Beni temporali scritti nella Polvere”, il primo spettacolo dell'Assedio delle ceneri è davvero scritto dalla voce che parla dal pulpito nella luce polverosa che striscia lungo le pareti, stretta dal collare bianco a fisarmonica visto in mille ritratti dell'epoca a sfondo nero, è un tuffo nel terrore di morire che mescola ironia e danze macabre, delicatezze d'amore e nostalgie di feste e carnevali in piazza a descrizioni di cadaveri straziati dai cani, di morti bizzarre e ossessioni inverosimili, di ultime parole famose di potenti, regine e sovrani cancellati dalla tomba. Un Quentin Tarantino di fine Seicento, padre Giacomo Lubrano, regista abilissimo di scenari pulp e tempi comici perfettamente accordati. A fine spettacolo la gorgiera bianca è una barriera antisudore intrisa di fatica; Silvio Orlando ha ancora la forza di sorridere spiegando che non ha voluto spingere l'acceleratore sulla musica facile delle parole ma sul ragionamento, da un inizio innocente e un finale di sottile perfidia che, ironia della sorte, ha colpito lo stesso autore delle prediche. Nella realtà, non nella finzione: per uno strano contrappasso Giacomo Lubrano da vecchio è diventato balbuziente, Dio gli ha chiesto la povertà estrema, staccarsi da quel dono di affascinare le folle che lo aveva portato in tournèe in tutta Italia e oltre, in mille paesi dell'allora mondo conosciuto, fino a Malta. Il pubblico se ne va, spossato e felice, con in mente il ricordo del Depardieu-Marin Marais disfatto dal successo e dai soldi (indimenticabile per chi ha visto “Tutte le mattine del mondo” di Alain Resnais), annoiato dal lusso di Versailles, che ha venduto l'anima “per un po' di zucchero e qualche luigi”.

Silvia Guidi, lettera22

Ripescaggi: Tanto amor desperdiçado al Maschio Angioino

2008-06-27T17:40:00.000-07:00

Teatro batte calcio. Ma solo ai rigori

Conoscere può dare una gioia più intensa dell’amore; parola del re di Navarra, che si è lasciato sedurre dal fascino discreto della misoginia. E se i sentimenti sono ridicoli residui adolescenziali da cancellare, come le cicatrici dell’acne che si nascondono benissimo sotto una seriosa barba da autorevole uomo di cultura, il modo migliore per provarlo è convincere i suoi migliori amici a corte a vivere allo stesso modo. Nessun bisogno del mondo esterno per tre anni, donne comprese, il paradiso può essere fabbricato in un recinto di libri, regole e gerarchie consolidate. Se non ci fosse quella seccatura di politica estera dell’Aquitania da gestire, e una delegazione di nobildonne francesi belle e terribilmente intelligenti in arrivo, re Misogino e i suoi potrebbero continuare a sentirsi eroici, coerenti, orgogliosi di se stessi. Ma qualcosa va storto, cresce l’assedio di una “molesta malinconia color sabbia” (sabbia vera che impolvera gli austeri completi scuri dei quattro sedicenti saggi) e Lord Biron è il primo ad accorgersi che “la carne è triste e ho letto tutti i libri” come diceva il poeta, gli schemi mentali, le frasi fatte, i buoni propositi non reggono davanti alle tonnellate di imprevisti che la vita ti getta in faccia tutti i giorni, il re è nudo in senso (quasi) letterale quando i tacchi a spillo e le frasi beffarde di una principessa qualsiasi bastano a lasciargli scritte sanguinose tatuate sul petto e sulle braccia, per il banale motivo che l’amore non si sceglie, succede. I giovin signori di Navarra parlano davvero in portoghese, le quattro svampite irresistibili in un francese fatto di sensiblerie e arroganza provocante che più sexy di così non si potrebbe, un modo geniale per esprimere il meccanismo di una seduzione raffinata: la lingua straniera parlata dalla persona amata acquista un fascino strano, è un nuovo spicchio di mondo che si svela attraverso le parole. Troppo bravi, i ragazzi allenati a duellare nell’arena dei doppi sensi di Shakespeare da Emmanuel Demarcy-Mota: cercano di valorizzare tutto, di non perdere un grammo del testo originale, ma forse sarebbe meglio non aver paura di tagliare quello che lo spettatore di oggi non riesce in alcun modo a capire. Troppo bravi, i ragazzi di Demarcy-Mota, e concentratissimi, nonostante il vuoto irreale provocato dalla partita Italia-Spagna in corso e i bisbigli patriottici tra il pubblico (perché non entra Del Piero, perché è entrato così tardi), nonostante un’invasione molesta di formiche volanti. Per una sera, teatro batte calcio, anche se solo ai rigori.

Silvia Guidi, lettera22

Rivieccio one man show

2008-06-27T17:35:00.000-07:00

Riecco il caro vecchio avanspettacolo, il fine dicitore alla Nino Taranto, il cabaret di prima classe che spazia dalla macchietta alla sociologia. Stavolta il domatore di pubblico si chiama Gino Rivieccio e non David Letterman, ma lo studio millimetrico dei tempi comici e delle reazioni del pubblico in sala è lo stesso. Trent'anni di esperienza non bastano per diventare in automatico il rabdomante della risata altrui, serve una gavetta composita e multilivello lombardo-partenopea-pugliese che unisce il lavoro con i Gufi di Nanni Svampa negli scantinati di Milano al blues alle cime di rapa e il Rocco e Rollo di Tony Santagata. Non basta neanche il giro del mondo in ottanta dialetti e il fascino indiscreto della parodia: per salire nell'Olimpo del Cabaret Aulico (così lo chiama Rivieccio citando autori, maestri, mostri sacri e compagni di strada) serve anche la fenomenologia del cellulare, la critica della ragion pratica del navigatore satellitare, oltre ad un'ampia e variegata casistica che potremmo indicare come "antropologia della cena fuori". In mezzo ai tavoli il cameriere-sociologo ruba gesti e frasi fatte mentre assegna i tavoli e porta il conto e poi disegna i tipi da commedia dell'arte che popolano ristoranti e pizzerie: il mossiere, il magnanimo, l'indeciso, il lamentoso cronico, la moglie risentita, l'inappetente che ruba dai piatti degli altri, il bimbo isterico. C'è pure una specie di grammelot itagliese (il pedigree è quello del fine dicitore, come dicevamo, l'acrobata del monologo impossibile e il giocoliere delle sillabe; non a caso lo spettacolo d'esordio di Gino ricordava la boccata di ossigeno liberatoria finale, "Ciak, si aspira"). Importante il contesto, la scatola di impalcature metalliche e cartongesso che si riempie di parole, musica, sindaci, signore che sperano nel rinfresco postdebutto, applausi a raffica: il teatro della Villa Comunale è foderato all'esterno da foto d'epoca di Raffaele Viviani, Edoardo Scarpetta, Pupella Maggio e i fratelli De Filippo, Isso, Issa e O' Malamente (un Viviani giovanissimo, con una faccia da schiaffi unica ed inimitabile) provenienti dagli archivi teatrali napoletani, i padri della patria del palcoscenico locale. Torna anche l'occhio di bue dell' one man show vecchio stile, e la singer nera che improvvisa voli di jazz sui classici della canzone napoletana (proprio i classici classici, anche Era de Maggio, anche le tenere ruffianerie di Aurelio Fierro) per dire con i colori della voce che ci sono dei giganti a cui si può appoggiare qualsiasi sperimentazione, anche nella musica.

Silvia Guidi, lettera22

Tempio/Scempio

2008-06-27T17:32:00.000-07:00

Temple

Di Natalie Hennedige, Singapore Arts festival

Sette personaggi in cerca di cant(autore): l’eroina dei manga perfezionista, allenatissima, in guantoni e latex nero, preoccupata solo di vincere sempre e comunque, la sorella saggia, premurosa e adorante ma con l’ossessione del controllo, la sorella Barbie-lunghi-capelli lamentosa e igienista, superfemminile per nascondere un’antiestetica protesi alla gamba, atterrita dalla polvere e dagli uomini, la mogliettina vestita da collegiale giapponese con la stessa divisa bicolore di Mimì Ayuhara, il marito distratto, fedifrago e fondamentalmente grezzo. E infine gli ultimi due, i gemelli diversi in calzamaglia: la fotocopia dell’uomo-tigre dei cartoni animati con un sospensorio da Mai dire Banzai e i capelli sparati, e un ex campione di wrestling peso piuma che si nasconde il viso dietro una maschera da scherma. Il tutto a porte chiuse, un inferno portatile formato videogioco, con i dialoghi presi dalla rubrica delle lettere dei rotocalchi rosa per ragazzine. Sbam, Game Over, You are the ruler, 100mila punti di bonus conquistati. Ma anche: Riuscirò a farmi notare anche se ho i denti storti? Potrò fare qualcosa interessante nella vita se ho a disposizione solo questo misero corpo, un banale taglio di capelli e qualche ordinaria circostanza a disposizione, come tutti? Le domande che affiorano bisogna ignorarle per sopravvivere, la salvezza è l’allenamento costante, la forma perfetta, l’autostima autoindotta, lo spirito di squadra, la fierezza dell’appartenere al piccolo gruppo di quelli che ce l’hanno fatta. Dimenticare è l’antidoto, cancellare ed estromettere tutto ciò che non rientra nel business plan chiavi in mano minimo dolore, massimi risultati. Ma il gruppo dei naufraghi (perché all’esterno il mondo sta per finire, o è già finito), il gruppo dei Lost auto reclusi in un bunker-palestra è sempre sotto assedio: gli elicotteri dal cielo, col loro rumore meccanico, molesto, e le raffiche continue di luce e il vortice dello spostamento d’aria, e da terra squadroni di miss, majorettes e reginette di bellezza con la testa di coccodrillo, con le tagliole della loro superiorità estetica esibita al posto della bocca. E poi ci sono pur sempre “quelli là fuori”, forse zombie, forse mutanti, forse persone normalissime che chiedono solo di essere guardate in faccia per quello che sono e non viste solo come birilli da abbattere, ma di più non è dato sapere. Le donne in sala capiscono, gli uomini (forse) un po’ meno. L’inizio della fine, lo smascheramento della finta solidarietà tra sopravvissuti è rispondersi fischi per fiaschi, non ascoltare facendo finta di essere gentili, tradirsi per noia. Come succede alla coppia lui/lei che litiga cantando come in un musical di Bollywood in versione asiatica: “Se solo pregassi per me”, grida il marito alla moglie-Mimì Ayuhara, “Se solo potessimo trascinarci l’un altro, aiutarci a salire in paradiso insieme”.

Silvia Guidi, lettera22

“Pantagruel”

2008-06-27T07:53:00.000-07:00

IL CORPO DI CROSTA. AMEN.

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Nella voracità domestica e bulimica un gruppo di sacerdoti-chirurghi con grembiule da chef, l’abbuffarsi di vita, per rigenerarla, ha il sapore di laboratorio con dottori matti, il tocco esotico di Dracula nella costruzione dell’uomo nuovo, di novelli Frankenstein. Questo “Pantagruel”, firmato da Silviu Purcarete, viene infatti dalla Romania. Mense imbandite da “Ultima Cena”, con troppi apostoli, allievi da “Classe morta”, che diventano tavoli operatori e l’autopsia è uno smembramento intestinale che porta in superficie, uno svuotamento come da dentro la pancia dello squalo collodiano, metraggi di colon in versione salsiccia, cervelli-cavolo lesso, testicoli-uova. Tolti, sottratti, mangiati con gusto davanti agli ex possessori senza anestesia in un contrappasso dantesco. Tutto viene accuratamente assaggiato in una sorta di cannibalismo scientifico come se fossero dentro agli studi sui cadaveri di Leonardo da Vinci. L’humour nero, macabro e viscerale da Hansel e Gretel pervade tutta la piece, fotografica ed estetizzante, che alterna momenti di placidità a tratti di animalità confusionaria, accompagnata da un pifferaio magico che fa raggiungere l’orgasmo, piacevole e doloroso, alle fanciulle più sensibili, soverchiati da coreografie in stile Fantasia blasfema con centinaia di cucchiai, saltellanti e scintillanti come pesce azzurro ancora guizzante sulla banchina, usati come batteria, armi, scettri o calamite. E’ un processo post mortem, il passo prima della reincarnazione. La magia porta alla trance di litanie e liturgie di una giungla urlante di uccelli, cavalli al galoppo, sbraiti di scimmie e ruggiti di felini, di rituali raccapriccianti di questa setta miracolosa, di questo manipolo di studiosi maledetti in cripta, da “Nome della rosa”, rinchiusi in questo scantinato sotterraneo, in questo cimitero offuscato agli occhi dei vivi, prelati da messe nere, ministri di un culto pagano, cannibale e feroce che loda l’obitorio come altare fino alla creazione, divina e terrena, sovrannaturale e concreta, intenti nella realizzazione di un uomo, prima mummificato e “incompiuto” nell’accezione michelangiolesca, un essere nuovo, buono da informare come il pane da spezzare e deglutire come “corpo di Cristo”.

Adonis&Valduga poetry show

2008-06-27T06:53:00.000-07:00

Secondo gli addetti ai lavori sarà il prossimo Premio Nobel, e dopo averlo ascoltato al Grenoble, o in mezzo al pubblico durante la Conversazione a Palazzo Reale con la collega Patrizia Valduga (in versione Crudelia Demon, perfida e dolcissima, eccessiva e fragile come al solito, porcellana tostissima sotto i veli da bambola di chiffon nero, che gli si è inginocchiata davanti per esprimere in modo scenografico, chiaro ed esplicito tutta la sua stima), risulta chiaro il perché. Adonis è il più grande poeta arabo vivente, ma soprattutto un poeta vero, un uomo che ha investito tempo, immaginazione, fatica, anni di studio, anni di carcere ingiusto nel suo Paese per difendere la dignità delle parole. Le sue opere sono un antidoto alla lamentazione quotidiana che ci fa vivere di meno, una cura urto sia contro il "noi" violento e ideologico che soffoca la libera espressione in tanti Paesi del mondo arabo, sia contro l'individualismo miope e slegato dal contesto che inaridisce la società occidentale. Non ha tempo di parlare di dialogo, perchè il dialogo lo vive tutti giorni, a Napoli, Beirut, Damasco o Parigi. Perché"l'io non esiste se non in rapporto con l’altro, anche quando vado verso me stesso devo passare dall’altro, l’altro è più di una parte nel dialogo, fa parte degli elementi che costituiscono l’io. Il noi dell’arte è diversificato, molteplice, ma non è mai in contrasto con qualcosa. Napoli è un esempio vivente di questo: mille strati di culture diverse in un unico luogo, la tomba di Virgilio accanto a quella di Leopardi, una continuità che mescola passato, presente e futuro, una forma di dialogo attraverso lo spazio e il tempo". Con l'arte si può parlare, ripete Adonis, conoscere i popoli attraverso l’arte è una forma di intelligenza che assomiglia all’amore. Anche in "Alberi adagiati sulle luce", il testo che il poeta siriano ha scritto per il Festival, Leopardi, Masaniello, Garibaldi, Marinetti, gli studenti incrociati per strada o le donne che passeggiano per Via Toledo sono un pretesto per svelare la profonda positività, la luce misteriosa nascosta nel fondo delle cose. Ma l'arte vera è scomoda, perché rivela l'uomo a se stesso, e difficile da rintracciare, perchè seppellita sotto tonnellate di mediocrità convenzionale. "La letteratura è diventata un prodotto industriale, una merce come un’altra, quindi ha bisogno di un mercato, non è più importante il valore ma deve rispondere alle esigenze delle masse e questo non si può combattere che in un modo, creando opere d’arte molto, molto belle. E’ questo l’unico modo concreto per contrastare questa tendenza, non si possono imporre divieti o limiti alla produzione intellettuale. La produzione ottima è quella che si afferma da sola, il tempo seleziona, molti grandi successi sono fuochi di paglia, si bruciano subito e lasciano solo cenere, il grande artista spesso parte in sordina, cresce lentamente nel tempo, ma poi il suo fuoco non si spegne più".

Silvia Guidi, lettera22

NAPOLI, PUNTO E A CAPO di Valerio Balestrieri

2008-06-27T05:45:00.000-07:00

La piecè d’atmosfera di Roberto Andò vive l’emigrazione senza confini di spazio e di tempo

PROPRIO COME SE NULLA FOSSE AVVENUTO
di Roberto Andò

da Anna Maria Ortese e da Diego de Silva e Vincenzo Pirrotta
musiche Marco Bettascene
costumi e luci Gianni Carluccio
ideazione del suono Giuseppe Rapisarda

Durata: 85 minuti
TARGET - Spettatore livello EXPERT dai 30 anni in su

MY Showreel

DRAMA – Napoli come la “Dogville” del regista danese Lars Von Trier, anche se non disegnata; qui le case (gli spazi o le identità) restano circoscritte in vasche con un ‘pavimento’ d’acqua, in cui camminare con stivali di gomma. E’ l’uomo che si adatta alla sua condizione: “Lasciam’ fa a Die!”. Persone come spettri galleggiano in una continua "nazzecata" (il lento procedere dei Perdoni dietro le processioni) e fanfare funebri si alternano a suoni e voci di metropoli. “La città si copriva di rumori come per non pensare”. E’ tutto un imperfetto ed un passato remoto, fatto di scialli neri, fischi, preghiere e attese: “Gli altri non esistono se non come opportunità di colloquio, ed ogni colloquio è un monologo con se stessi”. Persino per due bambini al calcio balilla il tempo non passa: sempre lì, stessa palla, stessa partita, stessi giocatori. “La gente non sopporta la noia, perché la noia gli ricorda chi sono.” Via di scampo il mare, la nave, una partenza, la speranza, il Nuovomondo, inseguendo l’ennesima processione dietro un Santo vivo che declama. Ma stavolta la Processione si stende, prende il pubblico e lo trascina verso il porto; il procedere è lento a suon di marcia funebre. Non si distingue più chi parte (attori) e chi resta (spettatori). Quindi il ponte della nave e l’addio amaro: “Un paese deve consentire la crescita di anime e coscienze”. E si parte. Ma c’è ancora spazio per un’ultima riflessione: “La libertà è un sogno? No! E’ un respiro.” Buio.

SET – Ambientato in tre location propone un primo spazio fatto di vasche (case) e porte senza muri. La Platea è ad un passo. Di sfondo un’autobus, simbolo di viaggio, anche se breve. Di contorno spazio di rumori. Ogni vasca è un quadro di dettagli e di condizione. Peccato non siano visibili dall’alto. Il secondo spazio è il percorso, quello che conduce alla nave. L’esserci è simbolico. Il terzo è un molo, con ponte di nave, mare e Napoli di notte come vivo fondale.

ACT – La recitazione è spicciola, riflessiva ma anche imbastita di napoletanità. Passaggi live si alternano a brusii pre-registrati. Si parla sempre su un tappeto sonoro. E’ più un lento andare, sempre, apparente andare senza muoversi. La processione con banda e finale sono di atmosfera Emir Kusturica.

MOOD – Una regia cinematografica, fatta di primi piani e dettagli; Inclusiva e avvolgente capace di sfruttare le doti panoramiche e simboliche della location. Lo spazio di apre a tal punto che attori e figuranti al passaggio di aerei di linea (veri) sollevano lo sguardo. Per tutti, partire è un po’ come morire.

Una produzione
Napoli Teatro Festival Italia

in coproduzione con

Cooperativa Gli Ipocriti

Another sleepy dusty delta day, la ballata di Bobbie Gentry

2008-06-27T04:55:00.000-07:00

Another sleepy dusty delta day
Quando arriva, la danza non è una danza, è un pestaggio, lo stupratore è la musica che batte i colpi e le insinua l’epilessia sotto la pelle, le disarticola i muscoli e le scuote le spalle di spasimi, oppure la blocca davanti alle gabbie appese al soffitto, improvvisamente graziosa e stupida come un cigno. Prima c’era una ragazza che leggeva una lettera, felice di essere chiamata mia principessa, come tutte le donne dai sei anni in poi, che lo ammettano o no, una ragazza che piega e spiega, bacia e ribacia il foglio azzurro macchiato da dove sale ancora tutto quel dolore.
Quello di lui è un addio semplicissimo, e ben argomentato: facciamola finita con la paura, con la corazza di bugie necessarie per non lasciar penetrate le ferite troppo a fondo, basta anche con il ricatto dell’amore, meglio concentrare tutta la morte in una volta sola, in un tuffo. Niente di eroico o di politico, solo un piccolo passo da un ponte mentre nessuno vede.
Nessuna tenerezza per questo corpo, chissà se finirà gonfiato dall’acqua come un mostro blu o in polvere come un vecchio scheletro tarlato.
E intanto il viso di lei si sporca di carbone, e i denti bloccano il trenino finto delle rassicuranti domeniche in famiglia, e la fidanzatina carina Hollie Hobby si trasforma in Hukleberry Finn che fa i dispetti ai fratelli per non piangere, e le mani cercano il freddo della bottiglia, la birra finisce in mezzo alle gambe a fare pipì contro il muro come in un gioco scemo di bambini.
"Povero Billy Joe, chi l’avrebbe mai detto: una fetta di torta di mele o due?" commentano i genitori a cena.
Sollievo l’una nell’altro, riposo l’uno nell’altra, ecco cos’ hanno buttato come un fagotto sporco dal ponte Billy Joe e la sua ragazza, dice la canzone di Bobbie Gentry che ha ispirato il lavoro di Jan Fabre. "Era il tre giugno, un’altra sonnolenta polverosa giornata nel Delta". Resta la noia dei pomeriggi che non finiscono e (di chi è la colpa?) la stonatura spaventosa delle poche parole in italiano. Non si spezza un sogno, non si interrompe un’emozione, si diceva dei film in tv aperti in due come una cozza dagli spot; le marche della birra, gli ammiccamenti in italiano della (per il resto bravissima) protagonista uccidono tutto, interrompono l’alta tensione in sala creata dalla lucida follia del francese, spezzano il fiato all’attesa e ricacciano tutto nel banale. Per favore, non risparmiateci la fatica dei sottotitoli.

Silvia Guidi, lettera22

COME FA RENATO QUAGLIA A RIMANERE IN EQUILIBRIO SOPRA NAPOLI?

2008-06-26T05:48:00.000-07:00

La redazione di Lettera 22 ha incontrato il direttore artistico del Napoli.Teatro Festival Italia. Una conversazione di circa un'ora che ha toccato temi differenti: un dialogo aperto e critico.

Che rapporto c’è tra Napoli e il Teatro Festival Italia?
Già nel titolo della manifestazione c’è Napoli, e poi un punto.
E quel punto ha un valore, un senso.
Renato Quaglia, direttore artistico e ‘morale’ di questo Festival ne spiega le ragioni con motivata partecipazione, emotiva e culturale. E’ necessario che il luogo che ospita non sia osservatore di una vetrina ma parte del Festival stesso e in qualche modo ne abbia in seno la matrice; è questa la chiave di un percorso triennale su cui si sta lavorando. E’ nelle zone comuni che si rintraccia un’area di interesse vero. Renato Quaglia non ha un Teatro, non è un artista ne un produttore. Nasce in Friuli, ad Udine, come organizzatore e passa poi, per diversi anni, dalla Biennale di Venezia in qualità di direttore Tecnico ed Artistico. Oggi siede alla scrivania di Via Dei Mille, a due passi da Via Chiaia, in piena Napoli. E di questa Napoli cerca di aspirare l’essenza da trasferire nel Teatro Festival Italia.
“L’attività si deve porre al servizio di un territorio e non viceversa”.
Siamo qui per lavorare sulla percezione di se stesso che il napoletano ha dall’esterno. Non importa che venga o non venga a Teatro: è importante che si accorga di essere soggetto (e non oggetto) di un progetto culturale, padrone in qualche modo dello stesso. Il ‘modus’ di Quaglia è quello di lavorare affinché il Festival possa esercitare un riflesso in termini prima di tutto sociali, poi economici; la città deve in qualche modo assorbire il meglio dell’atmosfera, dell’aria costituita: internazionalità, tolleranza ed inclusività. Il secondo passo è immagine al proprio interno. L’arrivo di arte e artisti determina degli effetti rispetto alla comunità, con essa si scopre il mondo e la possibilità di uscire da una ‘condizione’.
“Io sono venuto qui per piantare alberi, non mettere fiori alla finestra”.
Il cartellone stesso si ripiega in qualche modo su Napoli; oggi al livello tematico, domani anche produttivo, dato che nasceranno delle co-produzioni per le prossime edizioni destinate a integrare professionalità locali con artisti d’oltre-oceano. Il Festival deve servire ad innescare dei processi di sviluppo, ecco, come e in cosa, può essere parte di questa città.

Qual è, secondo Lei, il ruolo del critico teatrale?
Il critico si pone come “primo spettatore” di un lavoro che mira a toccare le sensibilità di molti. Gran parte del discorso ruota attorno a una questione di ruolo. È, la performance teatrale, un'opera complessa, che vive e respira non soltanto dell'avvenimento puntuale rappresentato dallo spettacolo dal vivo, ma porta in scena il frutto di un lavoro molto più profondo, svolto tanto dagli artisti che vediamo sul palco, quanto dai produttori che hanno reso possibile quell'incontro artista-spettatore. Il dilemma si pone tra una fruizione che si proponga di comprendere tutto ciò che si muove dietro, dentro e sotto a uno spettacolo teatrale - condizione forse irraggiungibile - e un'altra alla quale abbandonarsi con mente totalmente libera, disinteressata proprio a uno sforzo creativo che è presente non solo sul palco, ma in settimane di lavoro di gruppo tra artisti, produttori e distributori. Occorrerebbe innanzitutto liberare la critica da tutte quelle “incrostazioni” di ruolo che l'hanno appesantita. Se il sistema produttivo, anche a livello di sostenibilità dei progetti, disponesse di una rete di soggetti selezionati e qualificati per valutare la dignità di un'opera proposta, la critica si scrollerebbe di dosso il ruolo scomodo di colui che “decide” se quell'opera ha o meno quella dignità. Per quanto dall'analisi dettagliata e spesso spietata di singoli pezzi del puzzle-spettacolo che la critica rappresentava un tempo ci si stia muovendo in senso più costruttivo, sopravvive dunque, in produttori e artisti, ancora troppa aspettativa - puntualmente delusa - legata all'“opinione autorevole” che il critico darà di quel che ha visto. Forse allora le soluzioni sono due, oltre a quel necessario ridistribuire il ruolo “censorio” all'interno della macchina teatrale stessa. Da un lato il critico, per comprendere a pieno un'opera, avrebbe bisogno di andare a scavare in fondo, dalla fase embrionale del progetto al risultato portato in scena, ruolo che tutto sommato viene svolto, sul piano più generale, dal ricercatore e dallo studioso di teatro. Dall'altro il critico potrebbe porsi sì come “primo spettatore”, esercitando però la giusta consapevolezza, quella che suggerisce l'irraggiungibilità di una visione complessa e complessiva del prodotto. In un certo senso questa critica “buona” diverrebbe una “lettera possibile da uno spettatore a un altro spettatore”, che tenga conto tanto dell'efficacia oggettiva del mezzo teatrale, quanto della sensibilità personale del critico sollecitata o meno dalla fruizione. Come se un appassionato spettatore, privato per accidente del partner, si trovasse a vedere quello spettacolo in solitaria e desiderasse poi raccontare al compagno assente la propria esperienza, toccata tanto ai margini quanto nel profondo di una sensibilità consapevole.

Che 'fine' farà quindi il Napoli. Teatro Festival Italia?

La vera soddisfazione sarà quella di vedersi il festival strappato dalle mani da Napoli stessa. Ma parliamo della città o dei cittadini? A questo proposito è inevitabile sentire la eco delle parole di Enrique Vargas, uno dei grandi successi del festival, il quale durante la conversazione al Premio Napoli aveva spiegato che il problema di Napoli, come di tante altre città, è proprio l'ossessiva attenzione alla produttività "a consumare petrolio", piuttosto che impegnarsi nell'intessere relazioni importanti e durevoli tra gli abitanti. Se si domanda quale risposta la gente stia dando al Festival, come mai solo dopo tre settimane i baristi i tassisti si stiano rendendo conto che la rassegna è iniziata, come mai le donne che vivono sull'uscio del Teatro Instabile o del Nuovo Teatro Nuovo non sappiano cosa sia tutta quella gente, che non è la solita gente, che non è la regia di michele, che è una settimana che tutti chiedono la sala del lazzaretto, il direttore risponde che nei sei mesi di preparazione i napoletani sono stati coinvolti e istruiti su quello che si stava costruendo. Un esempio su tutti, le visite guidate delle scuole al Real Albergo dei Poveri mentre si costruivano i palchi e si ristrutturava la struttura. Sicuramente una bella iniziativa, un'escursione affascinante per piccoli tecnici del futuro; forse sarebbe stato bello portarli a vedere anche uno spettacolo, magari qualcuno decideva di fare l'attore. La sensazione è quella di una zona d’ombra, di ambiguità, una sottile linea rossa tra un'idea romantica, propositiva filantropica su Napoli, sulle sue necessità e le sue bellezze e la realtà di una popolazione schiacciata dalla città stessa. Quest’ultima riesce sempre a rubargli la scena con quella maledetta ma necessaria economia. Anche qui ritroviamo Napoli come concetto piuttosto che come realtà. Strade, mare e Vesuvio, ma pochi abitanti. La sensibilizzazione sui beni materiali, sullo sviluppo economico che porterà il Festival già dalla prima edizione è importante, necessario, vitale, ma non può compensare per il mancato coinvolgimento dei cittadini nel fenomeno artistico. Bisogna facilitare l’accesso ai teatri, giustificarlo, istigarlo quasi, non può bastare avvertire i commercianti che ci saranno artisti che andranno nei loro negozi a comprarsi libri, oppure nei loro ristoranti a mangiarsi la pizza...
...Comunque mancano due anni al riscontro finale, nessun giudizio solo qualche riflessione.

Viaggio Naufragio e nozze di Ferdinando Principe di Napoli

2008-06-26T04:30:00.001-07:00

Piedi a martello,
forse non basta
un campanellino tra le dita,
nemmeno.
Com’è fatto una bambino?

Un calderone delle streghe della Disney da cui escono sorprese, stregoni, folletti, marionette e cartoni animati. Viaggio, naufragio e nozze di Ferdinando principe di Napoli per la direzione artistica di Carlo Pressotto è una miscela vulcanica di immagini, di suoni e di colori che attraversano tutti o quasi gli stili di teatro e d’intrattenimento per l’infanzia dell’ultimo secolo. Ciò che sorprende (e un po’ rattrista) di questo progetto è la presenza ingombrante su tutte le tecniche e di narrazione della Walt Disney. Cambiano i nomi, qui è William Shakespeare che racconta in teoria, e quei due che ci accolgono nel nostro viaggio naufragio verso l’isola sono due Ariele, ma qualsiasi bambino e “adultino” non può che vedere Trilli e Peter Pan, le stesse movenze, lo stesso entusiasmo, lo stesso timbro di voce. Mentre annaspiamo nel mare, ci troviamo davanti la nave di Capitan Uncino, e una Ursula fatta uomo che ci dice che siamo naufraghi ma che non ci torcerà nemmeno un capello. E’ molto difficile immaginarsi Nettuno, anche con tutta la buona volontà. La filmografia Disney ci accompagna per tutto lo spettacolo, addirittura i costumi e gli intermezzi musicali sembrano costruiti secondo La logica americana. Su tutti Calimano sembra uscito dallo schermo del cinema per fare quest’apparizione al Festival e poi tornare a Los Angeles. Nella fisicità, nella voce, addirittura nelle esclamazioni ha ricalcato molti archetipi dei cartoni animati, che ovviamente fanno ridere però non danno spunti diversi da quelli abituali. Ovviamente la scenografia sfugge a quest’ombra incombente grazie alla maestosità del Real Albergo De’Poveri che più concreto di così non può essere, che permette agli attori di guadagnare credibilità e fascino, quando alzano la terra, si sdraiano sui ciottoli, saltano sui rami, quando insomma agiscono seguendo il loro corpo e non quello di un disegno. Paradossalmente, ma neanche troppo in realtà, colui che sembra meno influenzato dai fumetti è proprio il bambino aiuta la signorasignorina raccontare il complotto della Tempesta con le marionette. Il gioco tra i codici è molto interessante, dà spessore a questa scena in balia del cinema. Anche in questo caso però, la narrazione è molto spiegata e poco interpretata, viene lasciato poco spazio all’individualità dello spettatore, alle sua fantasia e alle sue scelte di attenzione. Persino le trovate più interessanti, come il racconto per simboli fatto dal Prospero pittore, dopo un po’ scivolano nelle paludi televisive. Forse però lo spaesamento era programmato, una trappola per naufraghi fatta di disegni, voci e campanelli che comunque fanno ridere perché solleticano i nostri sensi mentre ci danzano intorno.

Serenella Martufi

VIAGGIO, NAUFRAGIO E NOZZE DI FERDINANDO PRINCIPE DI NAPOLI di Carlo Presotto e Titino Carrara da W. Shakespeare

2008-06-26T03:36:00.000-07:00

PRIMEPAROLE. Nave scomposta e ventre all'aria ventre gonfio d'acqua scura. Tempesta stoffa. Benvenuti in questo circo di rumori in cui le gocce sono pietre d'avventura, scagliate a tutta forza contro il vento. Sirena canta e cantano gli scogli. Isola bruna.

Ammassati, sperduti nella sala del Real Albergo dei Poveri. Fuori-luogo come abbiamo capito capita in questa Festa del teatrovunque. Due soste distinte e poi l'approdo al posto sicuro di spettatori convenzionali. Prima il sonno del vecchio Prospero, poi il suo sogno, fatto di tempeste e spiriti vorticanti. Figura concitata di un naufragio architettato. Speso e narrato con potenza d'incantesimo. Riconosciamo, disgustosa e curva, la figura di Calibano, mentre di Ariel ce ne sono quattro, vestiti come da sognatori sonnambuli in pigiama, entusiasti per questa loro fantasia. Il resto della vicenda si svolge nell'arena, l'osserviamo seduti, comodi e privilegiati, mentre davanti si scopre scena fatta a frammenti di nave in disastro. Scopriamo quattro diversi Prospero, uno per ogni ruolo, da padre a stregone, da sovrano spodestato a giullare che racconta disegnando favole a una Miranda incredula di tutto. Con quest'ultima compare Ferdinando, due innamorati bambini, ingenui che fanno ridere gli spettri, s'innamorano al suono della reciproca voce, mentre sopra quella di tutti gli altri arriva la lirica (di canto come di movimenti) di una delle Ariel (Arianna Moro), fatta davvero “della stessa sostanza di cui son fatti i sogni”. C'è spazio per Calibano laido e “bestio”, che parla una vulgata medievale mista a spagnolo maccheronico, con movenze da Commedia dell'Arte, c'è spazio per il teatro itinerante e il teatro ragazzi che si mescola a quello dei burattini (degli Accettella), c'è spazio per l'ambiente videoproiettato e l'incursione – inserita ad arte nella vicenda – degli aeroplani che partono e atterrano rumorosamente a Napoli. Nessun faro getta coni di luce invano, in questa enorme produzione in bilico tra un ricco percorso visivo e sonoro, un parco giochi festoso e un circo con qualche numero sbilenco. Eppure quest'“Isola che non c'è” è forse troppo vivace, dimentica a volte di quel cupo sapore di inesorabilità che Shakespeare aveva distillato insieme alla malinconia del sogno, in questa sua ultima “Tempesta”.

Sergio Lo Gatto

NAPOLI IN JAZZ di Valerio Balestrieri

2008-06-26T03:20:00.000-07:00

Quanno ce vo ce vo
di Gino Rivieccio e Gustavo Verde

musiche Minale Big Band
regia Giancarlo Trillo

Durata: 2h
TARGET - Spettatore livello BEGINNER dai 25 anni in su

(intervista a cura di Valerio Balestrieri)
DRAMA – Quando le parole sono note e viceversa; Napoli diventa un concetto, un modo di vita. E’ questo il racconto di Gino Rivieccio, classe ’58, nato e cresciuto nel tardo Varietà, ai confini del Cabaret. In viaggio con lui dagli anni ‘60 in poi per riscoprire modi, mode e personaggi dell’Italia partenopea (che è un’altra Italia) e sorriderci su, con un vero e proprio vade-mecum del verso. Rivieccio è un affabulatore, gioca con i termini e con le sillabe; ha un lingua sferzante ma che non ferisce. Di sfondo (ma poi non tanto) la Minale Big Band che a sua volta ironizza con la musica, arrangia e trasforma, anche il più classico dei classici: ‘Era de Maggio’ di Mario Costa (parole di Salvatore di Giacomo). E poi è tutto un ‘O’ Sole mio’, che tanto sole poi non è, specie negli ultimi tempi; dalla politica, al sociale, dal teatro alla poesia, Rivieccio racconta a suo modo l’essere di Napoli.

SET – Scena da Avanspettacolo con Band in prima fila; classico One Man Show. Il fondale bianco cambia colore a seconda delle atmosfere. Band in camicia bianca e bretelle (all’americana) e maestro (di cerimonie) con sax da lancio: un vezzo per chiudere i brani.

ACT – Rivieccio diverte in maniera sobria. Costruisce la battuta con attenzione; la sua comicità e ricercata, assai lontana dagli attuali modelli napoletani popolari e sguaiati. Nel suo fare c’è molto Teatro: c’è il trucco, la parrucca e l’abito, che si sa, almeno in scena, fa il monaco. Poi ci sono le canzoni, dai classici americani, alle riuscite parodie, una su tutte ‘Arrivederci Rom’ sulle memorabili note di Garinei e Giovannini. Anche Antonio Bassolino diventa personaggio, forse il più divertente e reale.

MOOD – La regia è tradizionale. Alternanza di monologhi e canzoni che permettano al ‘mattatore’ di cambiarsi d’abito; corretta la misura. Coraggioso, ma riuscito l’omaggio a Eduardo De Filippo e Pupella Maggio e il finale serio, ‘Napoli città che aspetta’…qui, il vero comico è maestro e la pelle d’oca è garantita.

Una produzione
Music Station Group

Assedio alle Ceneri – Lapilli de la Gravitazione

2008-06-25T13:58:00.000-07:00

Fumo, nuvole che avvolgono e giocano danze con il corpo. Che si sposta, curioso di conoscerne nuove forme. La percepisci anche con l’olfatto quella nebbia densa e affascinante, a cui manca solo il profumo d’incenso. Il buio della chiesa della Certosa di San Martino fa intravedere a tratti, fra stucchi e marmi, un passato prezioso, ricco di magnificenza. Poi si rischiara. Ma solo di poco. E comincia la voce.
Pare una litanìa da ascoltare ad occhi chiusi, quella di Tommaso Ottonieri. Ma è troppa la magia di guardarsi attorno, con quei giochi di nebbie, luci e musiche, tra il barocco e l’elettronica, per non dar retta alla curiosità di più sensi.
E nelle parole, che ricordano una predica settecentesca in volgare, qualcosa riporta immediatamente e con forza al presente: ecomafia, diossine, acidi, scorie…
Così il fumo candido e accogliente della chiesa fa da tramite a vapori che di lirico non hanno alcunché: gli smog radioattivi di un mondo inquinato. La predica dal pulpito diventa descrizione, preghiera, inquisizione. Terra non vedi?
“Polveri amianti metalli pesanti, sali di alluminio sali di ammonio idrocarburi sali di piombo, diluenti, fosfori pentasfuri di fosforo, materiali radioattivi rifiuti ospedalieri residui di verniciatura, ammine composti dello zolfo, del cianuro, arsenici diossine e poi consunti pneumatici a milioni, alimentanti i roghi, scarti di fonderia e ogni sorta di solido rifiuto foriero canchero, gettati a cielo aperto in migliaia di fuochi, in case abbandonate, sul ciglio delle strade, sotto i ponti d’orbitanti circonvallazioni di tangenziali in dissesto”.
Camminano i veleni che amiamo produrre, si spostano e arrivano fin qui, nella Campania già sommersa dai rifiuti. Si sommano, si moltiplicano, raramente si riducono, mai si dissolvono. Noi stiamo a guardare. Lapilli che raggiungono galassie e asteroidi, trasportati per l’universo in attesa di una nuova alba: fatta solo di nero catrame.
C’è l’interesse del Potere, quello con la P maiuscola, che tutto può e non prevede repliche, ad ammazzare il nostro presente e il futuro d’altri.

Daniela Arcudi

De entre la luna y los hombres

2008-06-25T07:53:00.000-07:00

Sto in piedi tra gli uomini e la luna,
vi ammalio con le mani e vi illudo con gli occhi
non vi accorgete che sono le mie gambe a sostenermi,
i miei piedi frenetici e i miei polpacci tozzi,
sembrano spaesati ma vi stanno parlando:
stanno dicendo cos'è veramente una donna.

Mujeres al centro del mondo, non hanno bisogno di fronzoli e colori per raccontare la loro tragedia di femmina, di pulsioni e sensazioni che sovrastano il corpo. Fuensanta “La Moneta” ubriaca il pubblico di sorprese fatte di scatti, di occhi cerulei che si congelano mentre la punta del piede batte il ritmo finale, di ghiacci muliebri che riscaldano il cuore delle donne che guardano. Ognuna si ritrova in quei movimenti inquieti ma consapevoli, nei passi rapidi, affannati, eleganti, nelle movenze sensuali delle dita, gli schiocchi, nella fronte corrucciata per un dolore che non può arrivare alle labbra perché altrimenti non ci sarebbe ritorno. Non è uno spettacolo per femministe tristi questo; qui la donna trionfa nelle sue curve, nei fianchi e nella morbidezza di braccia che non hanno bisogno di muscoli e durezza per dominare il mondo, per prendersi la scena. L'essere androgino qui non esiste; non può avere spazio, la competizione lo soffocherebbe, il suo unico posto è sul retro, confuso tra le linee delle mani di chi danza e nascosto tra le note di colei che canta piangendo: Eva Duran. La musica degli strumenti in mano ai cinque uomini è stupenda perché sottomessa alla volontà delle due che gli fanno cenni con la testa, che li dirigono, che determinano la loro bellezza volteggiando su ciò che essi producono. Senza di loro sarebbe solo un po' di musica spagnola capitata per caso al Teatro Sannazzaro, invece gli viene data la possibilità di far parte di un rito. Il regista Hansel Cereza è riuscito a costruire uno spettacolo completo, impossibile da etichettare, non si tratta solo di flamenco, non si tratta solo di commistioni di musicalità, tzigane, spagnole, indiane, arabe, non si tratta solo di incontro tra generi, teatro, musica, tecnologia. Si tratta di una ritualità: l'espressione intima degli artisti si intreccia con quella degli spettatori, c'è una comunicazione inevitabile, la mente di chi guarda è inebriata dai movimenti frenetici di chi schiocca le dita, i sensi sono posseduti dai ritmi battuti dai piedi. Il pubblico ha sempre bisogno di applaudire, sente il pressante bisogno di partecipare,di condividere il momento, di manifestare la propria presenza. Nel corso dei novanta minuti si avverte l'aumentare del caos molecolare, dell'energia che viaggia tra la platea e il palco, fa caldo ma non si riesce a stare fermi. Poi d'improvviso finisce. Buio. Si esce. Fa caldo. Qualcuno sbatte i tacchi per terra, schiocca le dita e poi ride.

Serenella Martufi

Proprio come se nulla fosse avvenuto

2008-06-25T07:52:00.000-07:00

Piedi bagnati, putridi, soffocati
per corpi inesistenti. Un presepe di fantasmi
senza volto, senza aria, senza sangue,
le linee delle loro mani sono illeggibili,
estranee, le inventiamo
ma non conosciamo la forza del pugno.

L’universo di Roberto Andò immerso in piccoli stagni, singoli brodi primordiali da cui sembra nascerà qualcuno, qualcosa di grande, o per lo meno da cui si manifesterà una vita. Le cellule sommerse invece non sembrano volersi aggregare e la miriade di volti, di azioni paralizzate che fanno da scenografia a questo allestimento rimangono imperterriti al loro destino. Un qualcosa nel loro organismo non funziona, non gli da la possibilità di nutrirsi della stessa linfa vitale di cui può cibarsi chi sta fuori, chi guarda dall’esterno e ha il privilegio di non sentire l’umido tra le dita dei piedi. Anche qui alla Darsena Acton è stata compiuta un’irreversibile scissone tra chi vive il mondo e tra chi lo racconta. Un teatro in cui ci si specchia piuttosto che un teatro in cui si diventa. Anna Bonaiuto si aggira tra i vicoli asciutti come una dea romantica, un libro tra le mani, occhiali, capelli perfetti, occhi refrattari a ciò che vedono. Il suo respiro è diverso da quello di chi la guarda passare, che per un’ora aspetta il momento di levare i piedi da quelle pozzanghere a cui è stato costretto in nome della poesia. Questa discrepanza di ritmi vitali è funzionale al significato dello spettacolo indubbiamente ma non sorprende, non da una nuova prospettiva, ripete incessantemente che ci sono persone che stanno male, che hanno paura, che non possono fuggire dalla loro condizione non importa le navi che prendono. Questo però già si sapeva, e forse di questo dolore si è detto anche di più,si è scesi più a fondo. Gli stessi autori citati hanno scavato nella loro carne di visitatori o di napoletani privilegiati per farsi un esame di coscienza, rispetto a questi movimenti rarefatti e lenti si è già capito di più. La grandiosità della messa in scena sembra annunciare un’interpretazione collettiva come mai prima, Napoli come città fatta di persone e non di concetti, di sguardi di filantropia. Invece no, anche qui alla Darsena Acton si rimane impigliati in una retorica su Napoli fatta di sguardi, di cose intrasentite, di cose interpretate per il gusto di sentirsi poeti. Non si ascolta mai quello che deve dire colui che stiamo osservando, siamo portati già a formulare un nostro giudizio. La scena viene smossa dalla processione, dal movimento oceanico di attori e spettatori che seguono un santo poco convinto del suo ruolo di annunciatore di morte. Si continua ad aspettare un culmine, un qualcosa che sconvolgerà, che veramente farà acuire i nostri sensi, ma niente. Rimane lo sfarzo di un racconto povero e di dolore. Purtroppo la quantità di errori tecnici che si susseguono durante i novanta minuti di rappresentazione danno anche l’idea che confidando nell’abbaglio dell’enormità della scena, il pubblico e la storia potessero essere un po’ tralasciati. Tanto siamo all’aperto e vi diciamo che la libertà è solo un respiro.

Serenella Martufi

“Viaggio naufragio e nozze di Ferdinando principe di Napoli”

2008-06-25T07:25:00.000-07:00

BURATTINI IN CARNE ED OSSA SU UNA SPIAGGIA DI POLVERE DI STELLE.
Se questo e’ un uomo: ecce bombo.

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Il cortile del Real Albergo dei Poveri pare il monte Ararat dove l’Arca sbattuta ferocemente dalla Tempesta shakespeariana (nel progetto di Carlo Presotto) ha portato a morire la carcassa di questa balena sventrata e spolpata d’assi di legno come costole incrinate da Moby Dick. Una nave che prima si presenta in miniatura, di vele di carta di riso e vimini che veleggia in alto su un filo da equilibrista, prima di disfarsi, ed ingigantirsi, all’ombra del palazzo dei diseredati di impalcature e ombre minacciose, di finestre distrutte e spalancate che sembrano esplose anch’esse per la violenza dell’uragano marino. Sopra, a ricondurre alla realtà, gabbiani, aerei e fuochi d’artifico in lontananza: gli elementi-pennellate che delineano Napoli. Il mare è un vestito-tappeto che si gonfia. Prospero, duca di Milano cacciato dal fratello impostore, animato da quattro attori che si alternano nelle varie faccende, è stato esiliato con la figlia Miranda ignara del proprio rango nobiliare che s’agita con brillantini divini al suo seguito, su un atollo di sabbia dove si muovono figure animalesche come il gobbo-bestia Calibano (effervescente e moderatamente disgustoso e ripugnante), uno Shrek ma meno verde. La nave con a bordo il duca traditore ed il Re spagnolo Alonso naufraga portando in salvo a riva soltanto il figlio Ferdinando che qui troverà l’amore, in una sorta di incontro tra Montecchi e Capuleti, ma più fortunato, e il matrimonio, sopra una scacchiera alla maniera del “Billy Jean” di MJ come se fosse il gioco della campana. L’isola immaginaria è circoscritta dentro un cerchio in questo scenario da Apocalisse all’interno del quale possono penetrare solo gli attori ed i bambini che, appunto, “sono fatti della stessa sostanza dei sogni”. Si rischia di cadere in un piccolo esperimento-remake da “Notre Dame de Paris” ma subito, fortunatamente, dopo tre arie canterine, la piece sale di tono grazie all’entrata in scena dei due carretti-baracchine di burattinai esilaranti (il bambino è sicuro ed abile) che immettono nel testo classico la loro forte impronta d’attualità con inserti di genovese, milanese (il “mi consenta” berlusconiano), e ovviamente napoletano, paragonando la sciagura marinara alle lampedusane carrette del mare canticchiando “Sarà perché ti amo” dei Ricchi e Poveri, disquisendo se quello che stanno facendo sia o meno “teatro sperimentale”. Il “nessun uomo è un’isola” fa rima con il concetto di “condivisione” della recente pellicola di Sean Penn “In to the wild”.

“De entre la luna y los hombres”

2008-06-25T03:56:00.000-07:00

VENDEMMIANDO PASSI. IL SUCCO DELLA VITA

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Dovrebbero colpire i passi, che tacco-punta rumoreggiano setacciando la terra, solcando il confine, mettendo i puntini sulle i, ma sono le mani, come rami indomiti, le protagoniste della piece flamencheira esaltata da Fuensanta. Donne. Davanti. E uomini. Dietro. In un cono d’ombra. Ballo e canto da una parte. Strumenti dall’altra, mani e scatola scalfite come grancassa. E se la ballerina sta sul boccascena, dietro un velo trasparente, di nostalgia, di passato, e quindi d’eterno, la voce di Eva Duran, strazia, si tormenta e si addolora, alter ego vocale dei passi, grintosi ed energici della primadonna. Come generazioni che si capiscono, si supportano. In bianco come una statua greca, ferma, immobile con fare deciso ed il velo che diventa vello e poi mantello, arma che si trasforma in panni stesi, in coperta ed abbracci (senza scomodare Linus), in madre, in telo da corrida, in bandiera, in gonna, stola di pelliccia, abito dentro il quale proteggersi, nascondersi. Schiocca le dita come nacchere e Fuensanta prende di petto la musica, la conduce, e non l’opposto, trascina rabbiosa in una guerriglia con la se stessa (ciò che era, ciò che ne rimane) sdoppiata nel video, una battaglia di tip tap con i tacchi alti che s’inseguono giocando tra i lenzuoli che calano a dividere, separare zone, confini, vicoli, strade, percorsi. Resistenza e ribellione al ruolo imposto dall’esterno, tra la Luna, madre che vede e protegge, e gli uomini che, disperati, non hanno altri mezzi che la costrizione per reprimere spiriti liberi. E’ vero che la Luna è illuminata di luce riflessa ma è altrettanto vero che gli uomini non sono il Sole. Questo passa. La donna-Luna, nella storia, nel mito, nella realtà della nostra società, scatena ancora le maree, sposta le opinioni, decide, forse non in maniera così evidente e estroversa, le sorti. Alza e abbassa le mani in un abito che da bianco candido innocenza si fa nero coercizione fino al rosso consapevolezza nello sbocciare pieno e maturo dell’esser donna completa. Come gli applausi che la sovrastano.

“Tanto amor desperdicado”

2008-06-23T08:47:00.000-07:00

DONNA DANNO, UOMO DOMO

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Dentro il Maschio, metaforico e fortilizio, accadono cose che voi umani nemmeno immaginate. La divisione è tra un portoghese, musicale ma anche lamentoso e strascicato, per i cavalieri senza macchia e senza paura (uno assomiglia incredibilmente a Caravaggio) che da rudi si fanno agnellini sacrificali, in un processo dialettico sublime ma saturo di letteratura e poco di realtà, e la scelta caduta sul francese per le quattro dame, trafficone, imbroglione, traditrici, infingarde, ingannatrici, dedite ai travestimenti, belle ma spigolose caratterialmente che applicano artifici e controffensive da spionaggio in un cortile-arena sabbioso e polveroso che rilascia la propria nube da silicosi attorniato da un porticato squadrato che pare uscito da un dipinto di De Chirico, che sembra fare a pugni, simmetrico e lineare, con il fumo che s’innalza centrale, astratto e misterico. Misoginia a badilate in questo Shakespeare. Due lingue lontane, diverse, per sottolineare l’incomunicabilità dei mondi sessuali. Lo scontro tra lo studio maschile, “matto e disperatissimo”, e la leziosità della carne, tra l’essere cicala o formica, tra le lettere e le dame, gestisce la piece in bilico tra i quattro moschettieri moralizzatori e fanatici acculturati e le donzelle tentatrici che di gentil sesso hanno soltanto una vaga ombra. Nella rena i passi dei contendenti, nemici-antagonisti sembrano a loro volta scrivere altri versi, nuove frasi, diverse soluzioni dialettiche per un percorso narrativo decifrabile per un finale scontato che alza polveroni muovendosi come ballo a corte medievale-corrida-gioco della bandierina da beach. L’amore, trattato alla stregua di una malattia incurabile dalla quale fuggire, tratteggiata con un’ambientazione noir da bassi istinti animaleschi e pericolosi, lascia i quattro paladini distrutti (“Amici miei” ma che si prendono troppo sul serio), disfatti, logori dal sentimento fintanto che il classico espediente del “teatro nel teatro”, con il furbo zotico a menar le danze, non riequilibri le sorti della contesa pareggiando, con pena conclusiva da scontare, la bilancia del dare e dell’avere.

“P.O.M.P.E.I.”

2008-06-23T03:56:00.000-07:00

VULCANO DISTRUTTORE: INNO ALLA GIOIA

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – O anche Perimetrali, Ominidi, Maschilisti, Pagani, Esteti, Impegnati.
Uno scavo, nella sua accezione di mancanza, di svuotamento da rifiuti, che è una catacomba, nell’odore di Purgatorio del vicolo omonimo, un pozzo ripulito, una cisterna da rimbombo, buca della Napoli sotterranea che da un passaggio-apertura-cuccia di Snoopy fa partire linee di meridiana che si spandono in una tenda gigantesca, stella marina che si apre all’abbraccio, copertura da Circus afflosciata a terra. Un tappeto dove nascondere la polvere di chi è passato, calpestando i suoi anni con presunzione vitale, con passi di danza camuffati con parole ritenute imprescindibili, con gesti creduti unici. Facciamo volume. E non ci salveremo. Come una cappa di ceneri che tutto copre ed asfissia mummificando il sotto dove sguazzano, ilari e sorridenti prima dell’impatto finale, i tre danzatori-sub che mischiano precisione e napoletanità in un ingorgo trionfale di sentimenti. E se anche l’ironia non ci fa scampare alla certa conclusione, almeno il viaggio esistenziale, fatto di “mangia, balla e caca”, sarà più piacevole sotto lo strato bianco cadavere, ma anche bianco sposalizio, ma anche bianco schiuma del mare.
O ancora Pigmei, Onanisti, Minimali, Pericolanti, Eterei, Inconsistenti.
Il rapporto con il pubblico è costante, un filo diretto di sguardi complici, caratteristica delle produzioni targate Caterina Sagna (capofila di un processo artistico che, ad esempio, i Teatro Sotterraneo stanno seguendo), in un flusso che è un vortice a comprendere, a portare dentro, per mano, a tratti dolcemente altri con strappi, lessicali o formali, d’intesa non ruffiana che amplifica il teatro alla quotidianità togliendogli, estirpandogli, quell’aria troppo spesso forzata e distanziatrice, tra platea e performer, esaltando, al contempo, lo “spettacolo” sublime della vita, che è la vita stessa. Un inno alla gioia, quindi. E dopo un primo studio di sorrisi, la tristezza cala e vela, e pare, già da qui, scoprirsi l’arcano che il Vulcano emette e sospira: la fine. Paventata e indubbia anche dove il cratere non c’è o non si vede.
Per lo più Perspicaci, Oltre, Mimetici, Passi, Elitari, Incomprensibili.
Che la fine incombe deve esaltare il presente o farlo scivolare nel fatalismo, contraddizione partenopea che da sempre fa i conti con la madre Vesuvio che protegge e minaccia assieme. La coreografia si mescola al ballo tirolese di schiaffi e contatti e colpi che aumentano di potenza e violenza, di schiocchi onomatopeici e leggermente isterici, un duello-capoeira con strategie di scherma dove Napoli entra con forza come un eccesso di velocità nei vicoli a sparigliare, a far alzare le gonne, a contorcere i volti in una smorfia, tra l’infastidito e lo stimolato. E se le lenti sono filtrate dall’azzurro Mediterraneo o dal nero lavico, e se il rattrappirsi è urlante da museo inscatolato in bare di vetro da esporre a macchine digitali, non per questo l’esistenza deve essere immobile e imbalsamata e gessata. E Napoli, che butta la cenere sotto i sanpietrini dei vicoli e si tinge il sorriso di un bianco finto per i turisti, è ancora cartina di tornasole dell’umanità.
Oppure Patetici, Ossessivi, Megalomani, Pericolosi, Esitanti, Insistenti.

LE TROIANE

2008-06-23T02:06:00.000-07:00

Il Critico Buono (d’ora in poi CB) e il Critico Cattivo (d’ora in poi CC) discutono delle Troiane di Euripide, visto al festival di Napoli per la regia di Annalisa Bianco e Virginio Liberti.

CB: Queste Troiane sono quello che il festival di Napoli e il teatro italiano si meritano in questo momento.
CC: La penso come te, è quello che si meritano…
CB: Un allestimento che fa i conti con il presente e con gli orrori delle guerre che ci circondano.
CC: Ero ironico.
CB: Sei solo complicato.
CC: E tu ti commuovi per niente. Ti basta l’evocazione di una guerra, un po’ di indignazione e ti fai andare bene tutto. Come si dice: stipendio fisso e coscienza inquieta.
CB: Non voglio litigare. Piuttosto parliamo dello spettacolo serenamente.
CC: E allora serenamente ti dico che l’idea principale di queste Troiane, fare recitare attori di mezza Europa nelle loro lingue, mi ha fatto venire il voltastomaco.
CB: Era solo un modo per fare capire che la tragedia delle donne di Troia consegnate come serve ai greci è una tragedia universale.
CC: Quello che c’è di universale, in questa tragedia, è che gli attori si traducevano in simultanea. Sembra una riunione del Parlamento europeo.
CB: Pensa piuttosto alla Cassandra portoghese che abbiamo visto, che attrice, che forza espressiva…
CC: Cassandra? Una Santa Maria Goretti col vestito della prima comunione. L’hai vista con gli occhi al cielo e la coroncina in testa?
CB: A me lo spettacolo non solo ha convinto, è piaciuto.
CC: Ma durante il funerale di Astianatte, uno dei momenti più struggenti del testo di Euripide, un attore si è messo a mangiare una banana…
CB: Forse citava Beckett.
CC: Samuel Beckett?
CB: Forse.
CC: Forse?
CB.: La banana.
CC: La banana?
CB: Ok, colpa del mio solito entusiasmo. Mi ammazzo.
CC: Non farlo.
CB: Lo faccio. Perché non dovrei?
CC: Perché queste Troiane sono quello che il festival di Napoli e il teatro italiano si meritano in questo momento.
CB: La penso come te, è quello che si meritano…

(il discorso si ripete all’infinito, criticamente)

Rosella Bettinardi

THE SENSUALITY HUMOUR di Valerio Balestrieri

2008-06-22T09:36:00.000-07:00

In scena il Burlesque di Kitty Hartl, parodia e streap-tease con special guest: Marisa Laurito

The New Burlesque
direzione artistica Kitty Hartl

MY Showreel

Durata: 2h
TARGET - Spettatore livello EXPERT dai 30 anni in su

DRAMA – Lontanissimo dalle atmosfere ‘hot’, ma freddamente ‘grunge’, degli attuali streap-tease da night, il Burlesque si riappropria con la ‘forza’ di un genere tramontato, più vicino (per noi italiani) al Teatro di Varietà. Ne riprende atmosfere, suoni e addirittura la struttura, dato che la platea è seduta per l’occasione tra i tavolini. Lo spazio indubbiamente si presta, e l’orario pure: start ore 24.00. In scena ‘numeri’ di canzoni-parodia (al limite della macchietta) e improbabili streap di ballerine in ‘carne’ con copricapezzolo, paillettes, lustrini, boa e piume di struzzo. Il trucco, quasi maschera, fa riaffiorare alla memoria degli over 30 le Sorelle Bandiera, anche se lì la parodia era di ‘genere’; qui in gioco ci sono le suadenze, che vissute da attrici prive di ‘physique du rol’, ironizzano, diventando a loro volta icone di abbondante femminilità che magnetizza comunque gli sguardi, e cattura.

SET – Gelatine rosse e blu che proiettano fasci di luce sul fumo scenico sono il filtro che annuncia il numero, ma non lo separa dalla platea, in quanto con essa e per essa vive. Lo spettacolo scende inevitabilmente tra i tavoli, si nutre di commenti, fischi e ululati. E’ un senza veli a tutto tondo, saltano gli schemi e i ruoli.

ACT – Kitty Hartl declama con un sarcasmo americano che, malgrado la celere traduzione di un’italiana in ‘carne’ ed ossa come Marisa Laurito, non ‘acchiappa’. Coinvolgono invece i numeri, specie quelli circensi, tra contorsionismi e trovate. La Laurito è un succulento ‘babà’, anche in guepière sul finale.

MOOD – Strutturato per un pubblico adulto, soffre il gioco di parole d’oltre oceano, che non appartiene al nostro piacere del doppio senso, meno esplicito, specie nei modi, ma più incisivo nelle declamazioni. Stupisce comunque l’abilità canora, strumentale e di intrattenimento di Kitty Hartl, e la straordinaria agilità delle sue ‘ragazze’ che malgrado la ‘troppa’ presenza scenica, seducono divertendo. Resta che, capito il genere, un lavoro così, si vede una volta nella vita.

Una produzione
Le lieu unique (Francia)

PROPRIO COME SE NULLA FOSSE AVVENUTO

2008-06-21T14:07:00.000-07:00

Di Roberto Andò
Con Anna Bonaiuto, Maria Nazionale, Vincenzo Pirrotta, Virginia Da Brescia

Nell’aria l’odore del mare per la prima dello spettacolo di Roberto Andò, una natura morta (così il sottotitolo) per la Darsena Acton di Napoli. Una luna gialla si ripecchia nelle acque del porto. Quel porto dal quale migliaia sono partiti, altrettanti sono arrivati. In questo spazio invaso dal mare e dal passato risuonano i versi di Anna Maria Ortese, Georges Perec, Diego de Silva. Natura morta in mostra in questa installazione mobile su una città di dolore, disperazione, la Napoli città fatiscente di un sud fatiscente. Ognuno col proprio pezzo di mare, col proprio pezzo di storia: gli amanti, i bambini, gli uomini che giocano a carte, gli scugnizzi, i morti, gli immigrati, i borghesi, il sindaco e l’orchestrina. Dal finestrino di un tram la città scorre sotto gli occhi dell’osservatore, immobile. Una città “ridente e terribile, come appunto l’espressione di intelligenza e bontà che appare talora sul viso ai defunti”. Napoli è dunque defunta e la seguiamo, con tutti i suoi personaggi, tutte le sue storie, la seguiamo mentre si sposta in massa, come un corteo, verso la banchina. Come la processione che nei paesi del sud ancora accompagna i morti nel loro ultimo viaggio. Questo viaggio che tutti i personaggi e i musicisti dell’installazione, quasi un centinaio in tutto, attendono, uno accanto all’altro, le spalle rivolte verso il mare.

Eleonora Tedeschi

PROPRIO COME SE NULLA FOSSE AVVENUTO

2008-06-21T08:16:00.000-07:00

FUNERALE VIVENTE IN ATTESA DI ASSOLUZIONE

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – “Disumanizzare Napoli non deve essere stato facile, ma ci sono riusciti”.
In un doppio giro di boa diverso ed opposto, Napoli- U.s.a. e ritorno, con imbarcazioni, Titanic e portaeree, pattuglie, figli per mano e moccolo al naso e valigia di spago e cartone finta pelle e soldati d’elmetti e chewing gum e cioccolata e sigarette sciolte, monete, dollari e miseria (senza nobiltà), è compresso il lavoro di Roberto Andò alla Darsena Acton. Compresso è parola ingiusta viste le proporzioni monumentali dello spazio-installazione vivente, un’arena-chiostro occluso tra palazzi rosso pompeiano, e della popolazione attoriale e di comparsate che sfiora le cento unità, con banda al seguito. Come tutti i funerali che si rispettino. Tanti quadri orizzontali gli uni accanto agli altri divisi da piccole barriere, recinti bassissimi di animali, con il surplus-omaggio di una valigia, ma che sembrano insormontabili, che dividono la gente, tolgono solidarietà come fa il mago con la tovaglia da sotto le stoviglie. Dentro ogni piccola vasca tutto è fangoso e sporcato come da schizzi di dissenteria. Piccole assi in quadrato dove con i piedi sguazzano altrettanti mondi napoletani con le caviglie impantanate e zuppe nei problemi da annegarci, nel mare la cui brezza qui arriva felina assieme ai gabbiani ed agli aerei che tutti i comprimari (la vita che entra prepotente nel teatro rigenerandosi a vicenda) si voltano naso all’insù a guardare, constatare, seguire la scia buia di lucine. Acqua, onde che sgocciolano come tubi a perdere nei Quartieri Spagnoli, onde che s’infrangono a Mergellina, onde che non trovano sbocco e decidono di tornare al largo. Mondi distanti, i guappi sulle vespa, il sigarettaro, un Maradona anziano con la maglia numero 10 Buitoni che fa stretching, preti, un morto sul letto, camerieri a “faticare”, vedove a lutto, donne cinesi a tessere, un bar aristocratico che potrebbe essere il Gambrinus di Piazza del Plebiscito, tutti uniti dall’andare, nel limbo dell’attesa diaspora, dal partire in questo riflusso di chi porta democrazia e sifilide e sottrae dignità, come già sottolineò “La pelle” di Malaparte. Anna Bonaiuto, sempre altera, è un Caronte in tailleur tra il degrado e la decadenza, toccando con occhi schifati la piazza e la corruzione, la povertà oscena di risate grasse. Perché Napoli è prostituta e santa, è “Salve Regina” e storpia, è tempesta e dolore di bicchieri rotti, è nuda e gravida, è lirica e melodrammatica e teatrale, è valle di lacrime. Ed il pubblico si miscela con gli emigranti (ricorda “Nuovomondo” di Crialese) chiusi, emarginati nei confini della propria città ed in terra straniera, in una fiumana- corteo funebre, condotti, nella transumanza lungo porto, da Vincenzo Pirrotta sul palco traballante d’impalcature, nel cunto stoppato del maestro Cuticchio e punte da Tom Waits, e Maria, sempre più dopo “Gomorra”, Nazionale a cantarne le povere gesta.

“The new burlesque”

2008-06-21T04:43:00.000-07:00

SPARATE SULLA PIANISTA

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Il Teatro Sannazzaro ha il retrogusto del Bouffes du Nord parigino di Peter Brook. Usando un po’ d’immaginazione. Ma il clima è da can can, ma meno raffinato in un paragone, infattibile, tra francesi e americani, tra Moulin Rouge e ranch, Quartiere Latino e cow girl. Tutto qui è più greve, pacchiano, scontato, al limite del volgare e del maleducato, border line palleggiando tra kitch e trash. Senza essere moralisti, dopo aver visto Crouch, Vargas e Andò il contraccolpo si sente, pesante e dirompente, come il rinculo di una colt. Ne esce bene Marisa Laurito, infarcita e stretta nel suo tubino nero, in forma da “Indietro tutta”, nel suo ruolo ritagliatosi di traduttrice estemporanea. Kitty, la gattina morta dalla risata isterica, che assomiglia di più, per la verità, alla rana dalla bocca larga del Muppet Show, è un frullatore di versetti vocali, che in teoria dovrebbero eccitare, di paillette e lustrini e luccichini demodè, pervasa in una luce rossa da cabaret soft porno, contorcendosi in urletti, strillini. Nessun pudore, zero vergogna nello svestirsi. Le pance al vento, niente a che vedere con la danza del ventre, in uno streap tise roboante di rintocchi di grancassa che alla fine rimane sempre in pendagli agganciati ai capezzoli da far roteare come il pon pon del fez. Dieci per l’autoironia, comunque. Una versione degli show di Dita von Teese, l’ex moglie del satanico rocchettaro Manson. Il copione è da vamp da avanspettacolo, da cabaret ridanciano (Caterina Sagna accanto a me non ride, per esempio), dove non possono mancare gli ammiccamenti, i doppi sensi (“questa canzone la faccio a cappella”), le mosse sculettanti, gli occhioni di ciglia sbattute alla Marylin, gli occhiolini da femme fatale, i bustini in pelle, le giarrettiere strizzate, i pedissequi boa di struzzo, il vedo-non-vedo, gli inchini a mostrare il “boccone del prete”. “Sex bomb” cantava Tom Jones, ma qui siamo game over ed il “mucho gusto”, più volte evocato, non fa presa. Al limite, preferivamo “Drive In”. Dove sono finite le Lollobrigida, le Loren. Ridateci Mata Hari e Marlene Dietrich. Clonate Salomè e Lucrezia Borgia. Si affollano i personaggi del circo, presentati alla maniera dei pugili sul ring di Las Vegas. Non può mancare la contorsionista, il bel cow boy su cavallino a molle, angelo maledetto che manda in brodo di giuggole la sala, un po’ Brad Pitt in “Thelma e Louise”, un po’ Kurt Cobain, molto Buffalo Bill, toro da monta. Altre attrazioni si susseguono come Julie che prima gioca con un pallone gigante per poi entrarvi dentro, danzando, e muoversi e dimenarsi come un tuorlo in un uovo, come uno spermatozoo all’attacco dell’ovulo. Ma l’eccitazione resta ai minimi storici per una sensualità d’annata, da “Capannina” al Forte dei Marmi, da Rotonda sul mare.

P.O.M.P.E.I. – 1° Scavo. Poco Ortodossi Maldestri Piccoli E Inutili

2008-06-20T12:02:00.000-07:00

PRIMEPAROLE. Scusate odore, occhi, corpo soprattutto. Devo portarmelo dietro. Bianchi di gesso che non sappiamo più cos’è successo. Lava vulcano lava nostri corpi. Siamo nei versi di stessa preghiera. Diversi versi. Contraddistinte iridi.

Il Teatro Instabile è una sorta di cantina. Umida al punto che, prendendoli in mano, i programmi lasciati sulle sedie vengono su come stracci. Il suono attutito di piccole tossi, luce bianchissima, “state attenti ai fili”. Dall’antro/tenda nascono poi tre figure, affiorano da una colata di lava che è un telo elastico come di lenzuolo. Alessandro, Mauro e Antonio – ché a noi ci si presentano – affiorano da una superficie di stoffa profumata.
Chiedono scusa per il flusso incessante che li accompagna – “ballerini? Danzatori. Ecco, quello” -, il movimento di cui non riescono a liberarsi.
Ora ci ammirano, ora ci scherniscono, infine ci invidiano la nostra compostezza, il nostro sguardo calmo, il nostro essere al sicuro. Di certo riescono nel doppio intento di azzerare la quarta parete e allo stesso tempo di regalarci un’alterità che rimarrà costante per 45 minuti. Di certo ci spiegano perfezione e imperfezione, alla ricerca di un’integrazione totale di tutti e sei i sensi.I tre entrano, escono, interagiscono, discutono, amano, odiano, sorridono, lottano contro quell’imperfezione che ne sporca i movimenti. Tutto senza dimenticare un singolo angolo del corpo, quel corpo bianco, flessuoso, caldo, vivo.
Poi viene il momento della narrazione, il racconto dell’evento che ci rimanda al titolo. In rituali composti e misurati, alienanti e affascinanti insieme, rituali che non riveleremo per non rovinare la sorpresa di un’inventiva sapiente, i danzatori si fanno statue di gesso, creature che l’eruzione di quel Vesuvio incorniciò di lava, incastonandole nella terra come nella Storia. Ora uno scavo – il primo di due, il secondo in programma a fine anno – li riporta alla luce, tirando fuori, sotto gli occhi di tutti, tutta la loro e la nostra umanità.
Aperta, intelligente, attraente, la creazione della Compagnia Caterina Sagna marchia a fuoco i sensi. E lo fa con gentilezza.

Sergio Lo Gatto

P.O.M.P.E.I. 1° SCAVO Poco Ortodossi Maldestri Piccoli e Inutili

2008-06-20T09:24:00.000-07:00

Scendiamo in quella che ha l’aria più di una cantina che di un teatro, gli stessi odori, l’aria fresca e umida dei palazzi antichi. Lo spazio è molto stretto, intimo. Escono tre figure da una sorta di colata che arriva fino alla prima fila. Tre danzatori si muovono davanti a noi come spinti da una forza inesorabile che impedisce loro di fermarsi. Ci invidiano nella nostra tranquilla immobilità di spettatori. Chiedono scusa. Scusa per il corpo, scusa per lo spazio, scusa per l’odore. In effetti sono così vicini da poter sentire il loro respiro affannato, da poter notare i loro occhi, uno diverso dall’altro. L’accento è sulle imperfezioni, assolutamente vietate per chi il danzatore lo fa di mestiere. La danza è perfezione, l’uomo è del tutto imperfetto. Il movimento, sporcato dall’individualità, diventa affermazione di umanità, personalità. Il nuovo spettacolo della Compagnia Caterina Sagna si compone di due scavi, questo napoletano è il primo, il secondo sarà presentato in Francia. Gli scavi rappresentano il ritrovamento di forme che sopravvivono a una catastrofe come quella dell’improvvisa colata del Vesuvio. Forme che sopravvivono alla vita stessa, alla fragilità della natura umana, oltre il confine del non esistere più. I corpi ritrovati a Pompei sono mere colate di gesso che, nella loro immobilità, hanno sconfitto il tempo e sono arrivati fino a noi. La loro perfezione risiede nella loro immobilità, protratta nei secoli. L’imperfezione umana è qui rappresentata, in tutta la sua bellezza, da una danza continua, un movimento incessante che trasforma i corpi, crea e distrugge per poi ricreare nuovamente, ogni volta in modo diverso.

Eleonora Tedeschi (Lettera 22)

COSA DEVE FARE NAPOLI PER RIMANERE IN EQUILIBRIO SOPRA UN UOVO

2008-06-20T09:20:00.000-07:00

Alla fine del percorso tra le mani stringiamo una piccola matassa, un filo, il nostro filo. “Nell’Africa mediterranea, è Ananke la grande tessitrice, che con i suoi fili tesse le passioni, le vite, le allegrie, i popoli, le città...” Ognuno ha un proprio filo, gli è stato affidato alla nascita, conduce a un destino. Sta a noi scoprire quale. Una città non è solo la pietra dei palazzi, il cemento delle strade, le foglie degli alberi. Una città è fatta da fili, destini che si incrociano, si sfiorano, si lasciano e si ritrovano, percorrono strade comuni formando una costruzione più spettacolare e più intricata di qualsiasi palazzo, chiesa, incrocio di strade. Sul piatto della bilancia il filo invisibile che lega le persone si contrappone alla città di pietra. Il nuovo lavoro di Enrique Vargas è un percorso da vivere attraverso i sensi: quello della vista in parte negato, l’olfatto stimolato da odore di incensi e limone, il tatto di mani rassicuranti e carezze nell’oscurità del cammino. All’orecchio risuonano voci, nomi, pezzi di storie che sentiamo avvicinarsi e poi, improvvisamente, allontanarsi. In uno spazio al di fuori di tutto, vivi, morti e coloro che non sono ancora nati, le loro voci e storie si intrecciano all’orecchio nell’oscurità, per esplodere in quella che sembra una festa di piazza. Ora ci troviamo a ballare l’uno con l’altro sulle note di una musichetta popolare, nel buio illuminato da meduse fosforescenti e lumini, al di là di una intera costruzione intessuta di fili che noi stessi abbiamo contribuito, praticamente, a intrecciare a quelli già presenti. Una struttura in divenire dunque che si smonta e rimonta ad ogni spettacolo, cambia forma attraverso di noi. Condotti infine in un cortile, carta, matita e un lumino acceso lasciamo una raccolta di impressioni, emozioni che questo viaggio ci ha suggerito. Difficile da descrivere con le sole parole.

Eleonora Tedeschi (Lettera 22)

“Cosa deve fare Napoli per rimanere in equilibrio sopra un uovo”

2008-06-20T05:17:00.000-07:00

Ghostbusters and friarielli

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Il moccolo di candela odora di spettri travestiti da meduse. La mano destra mi copre la luce, ma ormai siamo abituati a camminare bendati, abbagliati dal catrame dell’oscuro. Sorridendo, come il tarlo che s’è mangiucchiato, sforacchiato questo legno orizzontale, tavolo finto marcio. Il gomitolo è troppo lieve per impiccarsi.

In un percorso dove perdersi è indispensabile e ineluttabile, attraverso il proprio filo d’Arianna compresso in un “gomicciolo” (per dirla alla maniera dello psicodramma autogestito dei tipi di Monticchiello e del loro teatro povero), gomitolo itinerante tra gli antri (niente Sibille, qui), gli alveoli e le cavità molli delle esistenze, personali ed infittite, intrecciate, ingarbugliate a quelli di altri simili, piene zeppe di nodi, con abilità sfuggendo alle abili Parche, arpie parsimoniose di tessere uncinetti e trine, che consegnano, in una nuova nascita, il piccolo spago morbido arrotolato da accrescere, dipanare, sciogliere. A seconda delle vite, delle esigenze, delle diverse direzioni prese. Un auto parto questo “Cosa deve fare Napoli per rimanere in equilibrio sopra un uovo” di Enrique Vargas, dove la città del Golfo è presa ad immagine e somiglianza della varia umanità che in essa vive e brulica, sciama e cammina in chilometri di vicoli e respiri. Gli uni sugli altri. In bilico su un uovo, a tentoni, trapezisti circensi che imparano il mestiere cadendo, sbagliando, cercando di mettere un passo dietro l’altro per evitare di incidere i canini sull’asfalto. E nella bilancia emotiva a pareggiare la Napoli cofanetto e cartolina sta un cesto (le mele, ammuffite o sane, della strega di Cenerentola) di anime nere come le bende che cancellano la vista del pubblico dal noir in un doppio strato di vista negata in un’avanzata di non vedenti che, mani in avanti come zombie, odorano di profumi e sentori, mischiandosi al vociare basso e fitto da mercato e vico, sotteso e sottopelle che entra nel pietrisco di vie tortuose e compresse e sconnesse. La vita, come la morte, è un carnevale-funerale balcanico, nei sotterranei dove le matasse formano costruzioni arcuate ed immaginifiche che ricordano la base della Torre Eiffel, una struttura che cresce e si autoalimenta con nuovi nodi e vite in un destino mai fisso e immutabile e prevedibile. Quello che, aprendo la mano, è circoscritto, come l’Universo prima del Big Bang, come bozzolo prima dei colori delle ali, in un microcosmo sferico, immenso ma che continua a poter rimanere in un palmo.

TRAMONTO DI UNA FOLLIA di Valerio Balestrieri

2008-06-20T05:13:00.000-07:00

Tra commedia e dramma l'edizione di Gleijeses della farsa di Eduardo De Filippo

Ditegli Sempre di sì
Di Eduardo De Filippo
scene Paolo Calafiore
costumi Gabriella Campagna
musiche Matteo D’Amico
regia Geppy Gleijeses

Durata: 2h
TARGET - Spettatore livello AMATORE dai 25 anni in su

(intervista a cura di Valerio Balestrieri)
DRAMA

Il profilo della pazzia quindi, secondo Eduardo, non come ‘trovata’ ma come vissuto. L’intero intreccio ruota attorno ad un tratto patologico tipico dello schizofrenico, l’incapacità di lettura della metafora. Michele Murri (Geppy Gleijeses) prende tutto alla lettera e, come tradizione vuole, in una sequenza di duetti genera l’intreccio. Michele Murri è un folle, e con la lucidità di folle compie l’azione: propone matrimoni, vede vincite al lotto e mazzi di ‘biglietti da mille’, e annuncia, infine, decessi inesistenti. Di sfondo la media borghesia ben pensante, a cui nascondere la malattia mentale (per rispetto del malato o per vergogna dello stesso?), e l’amara realtà del finale: "Io sono la sorella, devo badare a lui!". Tutto è però ironico, quasi assurdo; i giochi di parole affascinano quasi, spaventano solo quando si affacciano sull’orlo della violenza agita…ma da che mondo è mondo la follia ha sempre fatto ridere, anche se non tutti.

SET – L’interno borghese è lo sfondo. La realtà è fuori, si vede da una grande finestra, ed è sottosopra, capovolta. Anche il sole cala al contrario con un tramonto che per tutto il primo atto segue l’evolversi dell’assurdo: il compiersi della malattia. E’ il tramonto della speranza, per chi ha creduto che un anno di manicomio possa cambiare le cose. Il secondo atto è in un campo di girasoli, già silenti spettatori di altre pazzie.

ACT – Gleijeses è 'Eduardiano' nell’anima, sente il testo di De Filippo e lo rivive senza esagerazioni e forzature. Il tratto somatico folle è una piccola balbuzie su alcune parole, ma in fondo sono proprio le parole il metro di visione del suo mondo. Gennaro Cannavacciuolo è Teresina (la sorella) ‘en travestì’, ma d’altra parte è una delle sua maschere; ciò avvalora l’ipotesi della familiarità della patologia e l’idea che non si diventa folli ‘per caso’.

MOOD – L’adattamento di Gleijeses ruota su tre edizioni del testo, quella televisiva del ’62, la stessa redatta da Eduardo per la ripresa e l’edizione definitiva pubblicata da Mondadori. Una messa in scena rigorosa, pacata e godibile.

(intervista a cura di Valerio Balestrieri)

Una produzione
Teatro Stabile di Calabria

“Assedio alle ceneri”

2008-06-20T04:06:00.000-07:00

Nebbia in Val Cristiana: la Messa è finita

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – Il ghiaccio secco, nebbia in Val Padana, riempie a piccole volute i freschi marmi della Chiesa di San Martino. In alto, sopra la Certosa a proteggere, sotto Napoli, mare e Vesuvio in una sola occhiata piena. Fa onde minimali, si spande essenziale. Humphrey Bogart che boccheggia e respira bianco. Una luce blu taglia l’altare. La marea bassissima di nuvole che gorgogliano e annaspano d’apnea s’infiamma e s’ingolfa, i flutti si mangiano a vicenda, si sovrappongono le linee distorte. Una nebbia artificiale che fa mistero e miracolo e inchino e illuminazione divina e mani giunte e segno della croce. La location prevede tale rituale. Qui, ora, oggi, disatteso. Si chiamano Prediche, tolte, lasciate, sottratte al concetto cristiano di pulpito, che diviene o rimane soltanto palco, e sotto non più fedeli a bocca aperta ma astanti spettatori, singoli e bolo compatto di idee indipendenti, ad ascoltare. La chiamano libera coscienza. A volte, intelligenza critica. Non credere ciecamente ma sentire, digerire. Più che altro, pensare. Il fumo s’alza dal basso come polvere soffiata da tavoli di sale da pranzo prima dell’arrivo dei parenti o da tappeti troppo gonfi di materia nascosta, come petali sparati e sputati in un campo di stelle alpine. Ruota su se stesso. Alla ricerca della sigaretta che non c’è. O non si vede soltanto. Non esiste più la terra dove poggiare i piedi. Siamo putti con le caviglie tranciate, nascoste ed immateriali. Pinocchi dopo il sonno al camino. Tutto è sfumato, confuso, ha perso i contorni, si è disciolto e liquefatto, come per osmosi ha preso, e si è perso in, altre forme, squagliato dentro altri corpi, solidi sfasciati, esplosi e decomposti, apertisi e sbocciati. Come rose marcite. Si vaga alla ricerca della voce. La macchina del ghiaccio secco continua nel suo rigurgito di vomito pseudo solido, a buttare morsi di rigetto, boccate a saturare l’aria di quest’odore ecclesiastico, di quest’atmosfera da confessionale, in questa cerimonia laica e buia, pece pagana. Il “dissonorato” Saverio La Ruina ha un mantello da Cavaliere di Malta, crociato nero. Ordina il pubblico- chierichetto ma senza indice puntato, che attende ossequioso ed osservante l’ostia di parole, l’assoluzione nella comunicazione. Scontro di luci. Senza sconti. Quella che taglia la navata centrale, mano di Dio a trafiggere l’attore calabrese (proprio in questi giorni è finito il suo festival a Castrovillari “Primavera dei Teatri”), a tratti legge alla maniera fascista con enfasi e punteggiatura e sintassi iperbolica da Ventennio, come costato d’icona d’altare, altre che s’accendono alle bordate che arrivano dal testo di Odifreddi (il decalogo finale parodia dei Dieci Comandamenti ha il sapore acrilico del pessimismo antropologico) e paiono fori di proiettili che fanno entrare linfa aurea e abbagliante dall’esterno, che bucano il contenitore filtrandolo, in un vento da Far West, in un cortocircuito visivo che prende ed assorbe ed incamera raggi divini proprio dal mondo esterno riproducendoli all’interno della “Casa del Signore” in un processo- procedimento inverso rispetto al concetto canonico di luogo d’emanazione della Santità e della Santificazione. Qui si dice Dio è nella vita, nelle cose, non nei precetti. Dio è in tutte le cose. Dio non c’è, ci sono le cose, ci sono le persone. Le loro intelligenze. Uno scritto “politico” che svaria da Ferrara e l’aborto, dalla Binetti a Benedetto XVI, definito “Papino” alla milanese, gli anticoncezionali e le ingerenze della Chiesa cattolica sulle faccende dello Stato. E pare piacevolmente sorprendente, in una città come Napoli, fervente e credente e praticante, l’apertura ad idee contrarie e dissimili, polemiche e critiche (vedasi Voltaire) rispetto al Padrone di casa. L’assedio alle ceneri ha il suo scalpiccio, il cloppete di zoccoli che avanza, le ceneri alle quali ritorneremo, la cenere di istituzioni sbriciolate e ritotte a brandelli miniaturizzati, la cenere polverizzata di idee retrograde.

Le Troiane al Teatro Mercadante.

2008-06-20T03:59:00.000-07:00

Mascelle serrate vibrano tra il riso ed il pianto.
Zigomi marmorei implorano pietà.
Arti legati e gambe spezzate.
L’eco di piccoli busti mutilati.
La guerra, le donne ed i bambini. La drammatica trasversalità del topos tragico di Euripide ha permesso alla Compagnia Teatrale Europea di portare in scena questo classico travalicando qualsiasi barriere linguistica. Ogni singolo idioma viene usato per un’espressione che dovrebbe andare al di là della parola. Le ferite aperte dalla guerra sono in realtà l’elemento comunicativo rilevante di questa messa in scena. La sofferenza dei vinti e lo spaesamento grottesco dei vincitori comunicano allo spettatore più di qualsiasi regola lessicale, grammaticale o fonetica. Le donne hanno un viso impietrito dal dolore qualunque sia il loro parlare, e gli uomini manifestano invece “una deficienza” intellettuale che non può essere compensata neanche dal loro servizio di traduttori simultanei per i dialoghi tra i vari personaggi. La devastazione intima provocata della guerra è nel sostrato di tutti i monologhi delle donne. La lingua non è rilevante, sono i corpi che ci parlano, corpi di madri mutilate, di mogli violentate o di bellezze condannate per nient’altro fuorché per l’essere donna, quindi deboli, quindi vittime. La provenienza linguistica e culturale delle attrici diventa un tutt’uno con le loro sembianze, qualsiasi lingua esse pratichino quello che rimarrà impresso sono i loro occhi, disperati, rassegnati, vendicativi o mentitori, le loro bocche serrate, minacciose o tremanti. Ciò che importa nella rappresentazione non è tanto il loro personaggio quanto il loro essere donna succube d’ un sistema di uomini che si combattono per un’effimera supremazia, o che si alleano per una competizione ai limiti della goliardia. La scena ci immerge a tratti nella nostra contemporaneità, in cui lo sforzo comunicativo tra diversi fa perdere il senso di ciò che viene detto- la trappola del multilinguismo- per questo l’esercizio di stile delle traduzioni simultanee, permesso ad alcuni attori, ricorda drammaticamente la sordità di alcune conversazioni della nostra Europa che vuole dialogare pensando che la reciproca comprensione dipenda dalla lingua in cui si parla e non da quello che veramente si vuole dire. Le Troiane diretto da Annalisa Bianco e Virgilio Liberti è un sorprendente (e studiato?) esempio di quanto l’attenzione alla forma e non al contenuto abbia in sé il pericolo di indebolire la comunicazione. Infatti quando le attrici sono lasciate libere di esprimersi nelle loro lingue, il senso di ciò che dicono arriva allo spettatore anche se non si comprende il portoghese o il francese, mentre il gioco di richiamare all’ordine in italiano, o di tradurre i discorsi in due o tre lingue, fa scemare la tensione che queste energiche e toccanti interpereti sono capaci di creare. Tra tutti Evelyne El Garbi Klai, Ena Fernandez e Flavia Gusmao arrivano in scena con una dirompenza tale da rendere inutile qualsiasi ulteriore elemento esplicativo: da sole ed incomprese ai più, riescono a manifestare la forza insita in ogni donna anche davanti ai suoi carnefici.

Serenella Martufi

Cantata per lo sposalizio del Principe di San Severo

2008-06-20T03:58:00.001-07:00

I piedi delle statue de “La Pietatella” sono una cornice.
Fasce di muscoli protese ad ascoltare.
Organismi amorfi, senza peso si aggirano gli attori.
Il Cristo Velato scandisce il tempo e delimita gli spazi.
Ubbidendo alla sua stazza imponente, mi defilo. A lui la parola.

Cristo Velato: “Sono sempre onorato quando le folle non rimangono solo ad osservare la mia sottilissima veste ma si soffermano con me per condividere qualcosa. Ieri sera, appunto, si sono riunite intorno a me un centinaio di persone, e mentre ipotizzavo sull’evento e scrutavo i loro volti, sono stato sorpreso da un rullo di tamburi, fuori dalla mia vista, accompagnati poi da una piccola orchestra. Dopo, alcune figure hanno iniziato ad agitarsi nei miei pressi. Erano attori, ovviamente, questo l’ho capito dalle poche parole con cui hanno esordito. Ho ben presto intuito che si riferivano al Principe di Sansevero ovvero Giovanni Francesco Paolo di Sangro, il mio padrone di un tempo lontano. Tutto ciò era abbastanza usuale anche se era da molto che quest’uomo non veniva ricordato. Ciò che invece mi ha stupito è stato il corpo di questi giovani e i loro volti completamente nascosti da strati di bianco che li privavano di una qualsiasi forma fisica, di una qualsiasi plasticità. Dovete capire che qui dentro io sono abituato a osservare ogni piccolo dettaglio di ogni singolo corpo, e non solo il mio, ma anche delle statue che mi sovrastano. Ci guardiamo ormai da secoli, ci compiacciamo nel poter distinguere quasi ogni cellula, ogni osso. Non ho capito se tale scelta sia stata fatta per evocare forse un’epoca, ma era comunque molto d’effetto per il contrasto con la cappella e con le forme di noi che la abitiamo. Ho avuto la sensazione di essere circondato da fantasmi, da esseri che non parlavano col corpo ma solo con le voce.
Il principe mio era stato un uomo complicato, un uomo di fede, alcuni lo hanno definito illuminato: la musica grandiosa e irriverente che ho sentito alle mie spalle in qualche modo ricordava la sua essenza e la sua vita, imprevedibile, liturgica e spiazzante. In alcuni momenti anche i giochi onomatopeici e verbosi, ritmici e ironici dei due fantasmi attori lo evocavano; però poi ho evidentemente perso qualche passaggio perché in un attimo l’evocazione si è trasformata in imitazione, credo del suo tempo e della sua epoca, e sono arrivati frammenti di napoletano, molto simpatici certamente ma un po’ usurati persino per me che sto qua dentro. La sorpresa più grande è arrivata con l’apparizione di un Gesù Cristo, un altro plagio. All’inizio ho sorriso da sotto la mia sindone, crogiolandomi in riflessioni sulle contraffazioni, ma dopo un po’ questo Cristo ha iniziato un canto che mai fino adesso mi era stato attribuito, credo fosse un rap con sottofondo orchestrale, interessante, forse un po’ eccesivo nel contesto. Voglio dire: “illuminato” non per forza deve tradursi in “spregiudicato”. Quindi verso la fine ho iniziato a perdere di vista quello che veniva raccontato: tutti quei simboli, quegli elementi e quei corpi nascosti mi hanno confuso. Mi sono lasciato andare alla musica così intrigante, variata e suggestiva. Forse sarebbe bastata lei sola a raccontare la storia del principe di San Severo che mi ha creato”.

Serenella Martufi

New Burlesque

2008-06-20T03:56:00.001-07:00

L’irriverenza della pancia.
La carne in tutte le sue forme.
Natiche allegre.
Capezzoli danzanti.
Roteanti.

La sensualità del ventre. Non ha misura, non ha forma, non ha canoni. E’ il protagonista assoluto del New Burlesque. Senza parametri e senza regole. Ogni misura, ogni volume, ogni contorsione racconta una storia. Ogni corpo è un mondo. Ogni mondo ha i suoi costumi, i suoi abitanti, i suoi movimenti e dunque si scatena un erotismo ironico fatto di strass, di profumi, di musica, di sguardi, ciglia finte, tacchi alti, carne tremula, carne soda, carne ingorda, tatuata, intravista, spogliata. I gesti, la musica, i passi minuziosamente studiati, il ritmo incalzante che ci illude di assistere a qualcosa d’estemporaneo. Un privilegio per pochi, capitati lì per caso, compensati con una performance unica, che si esaurisce nel momento in cui noi la guardiamo. Quest’impressione però è studiata, è costruita; il pubblico si fida, lo spettatore è felice di potersi liberare per un’ora del perbenismo, del pudore, del rigore; come un bambino crede a tutte le storie che gli vengono raccontate. Crede alla Bombshell, alla Sirena, alla Obama, a Sexy Suzie, al Cowboy, alla Mafiosa. Soprattutto crede a Kitten on the Keys che guida la performance, diventa per tutta la platea una specie di matrona, un’ amica di vecchia data, con tatuaggi e capezzoli agghindati, “perché lei è così, è americana, è normale che beva limoncello dal suo reggiseno”. Forse è il fascino dell’americano, tradotto solo in parte da Marisa Laurito che gioca la parte dell’accompagnatrice, una figura a noi nota, di cui ci fidiamo, finché c’è lei a riportarci ogni tanto a casa, possiamo veramente abbandonarci a questi giochi. Forse è l’atmosfera da filmannicinquanta. Forse è l’apprensione che possa essere io la prossima ad essere coinvolta. Forse sono le battute spinte che non capiamo bene ma ci fanno ridere lo stesso. Forse è lo stupore nel vedere che una spogliarellista suoni tanto bene il pianoforte e l’ukulele. Forse sono le allusioni. Forse sono i brillantini che spruzzano dalle mutande, dai guanti, dagli occhi e dai capelli. Forse sono le posizioni, i salti, le molle, le coreografie. Forse sono i costumi, che all’inizio non mi piacciono ma poi pensandoci bene potrei provarli anch’ io quei perizomi, quei copri-capezzoli, col seno grande o senza seno, con la cellulite o i muscoli da ginnasta, bionda, bruna, quarantachili, centochili, occhi grandi, occhi piccoli, addominali, pinguedine, deltoidi, smagliature, bicipiti, curve, polpacci grandi, tacchi alti, minigonne, ballerine, calze a rete, nere, oro, rosa, fucsia. Forse perché adesso mi piace anche la mia pancia.

Serenella Martufi

Nuove Sensibilità 13/06/08

2008-06-20T03:53:00.000-07:00

Dita deformi.
Mani impegnate.
Braccia agitate.
Una scultura di spalle.
Una vita appesa alla forza di un collo.

Cinque corpi teatrali emergenti. Cinque volontà di movimento. Cinque scelte di comunicazione.
Alla prima serata di Nuove Sensibilità lo spettatore viene travolto. Deve seguire il percorso alternato tra la sala di sopra e la sala di sotto del NuovoTeatroNuovo, cinque minuti d’intervallo, viene tutto accelerato: la decompressione, la possibilità di riflettere e di assorbire. Potrebbe essere solo una questione di allenamento, serve un pubblico con tanto fiato, un pubblico scelto, consapevole e teatralmente intelligente. Per addetti ai lavori insomma, per chi a teatro resiste, per chi capisce, per chi sa cosa c’è dietro. Interessante sicuramente, forse un po’ stonato rispetto al luogo in cui ci si trova, estraniante dal contesto, un tappeto rosso fuorviante. Le compagnie sono giovani, e dunque ci si aspetta un’ atmosfera di apertura (di umiltà) e di volontà di far conoscere il teatro anche a chi non ci è cresciuto dentro, anche a chi lo considera un posto lontano, un posto in cui non si è ben accetti, un posto che “non lo capisco”.

M. Minotaurus per la regia di Ivan Dell’Edera c’immette in un gioco di luci, di busti incastrati, di moli ingombranti che danzano dentro e fuori il mito del mostro, del labirinto e della sua donna. Lei ci si presenta gigante, accogliente ma eterea come il tempo a cui fa riferimento. Una partoriente di stoffa, poi amante squassata dall’imponenza del mostro. La scena è suggestiva con movimenti spasmodici e tonfi di carne. Un quadro violento e violentato.

L’era dei pesci per la regia di Riccardo Festa propone anch’esso un gioco di luci ed un gioco di tempo, un esterno ed un interno, un allora ed un oggi, un io, un loro, un noi. Quattro attori che quasi giocando si affidano il compito di essere narratori. Belle le voci alternate ed echeggiate, belle le dita che scrivono sulla terra, bella la lettera che ci viene raccontata. Giochi ed allusioni ci fanno ridere ci ricordano che si sta parlando anche di noi, che la storia insegna e che si ripete, forse però questo lo si sapeva già.

Cronache da un tempo isterico per la regia di Armando Pirozzi ci riporta nella sala grande, i due attori sono sul palco, tesi ed occupati prima, impazziti ed esagitati poi. L’amore acuto e reticente. L’isteria, la maniacalità, la teatralità pressante. Si ammicca dicendo “atteggiamento didascalico” e parlando della “coerenza del personaggio”, simpatico certo; tempi e spazi chiari e netti, paranoie, equivoci e toni. Regolare insomma.

Minotaurus Freak Circus per la regia di Giovanni Dispenza ci acchiappa, ci costringe a guardare: anche noi possiamo agire. Sforzarci di capire. Abbiamo il privilegio di essere turbati e rapiti. Sorpresi ammaliati, disgustati, affascinati. Il pubblico è accolto ed è considerato, è scrutato, è osservato, è provocato. La bravura e la coerenza del gruppo, gli permettono di poter sfidare lo spettatore sul percettivo e sull’intellettivo. Tutto il corpo è preso in considerazione, un organismo narrante. Ad ognuno è affidata una parte del racconto: un ruolo per gli occhi, uno per la bocca, per il collo, per le spalle, le gambe, la pancia, i piedi, le punte delle dita. Per la seconda volta nella serata ritroviamo il Minotauro; il mostro questa volta è mutevole, è intricato, leggiadro e tremendo, violento, pentito, nasce ed è carcassa, è carnefice ed ammazzato. Il presupposto del circo agevola la quantità di elementi che possono essere introdotti in scena, permette una spettacolarità acrobatica ed una fisicità finora senza pari: un disegno di corpi agili, violenti, leggeri ed eleganti. Solo la reiterazione a volte è un rischio, i movimenti, gli scambi ed i rapporti sono così tesi, chiari ed umani che non hanno bisogno di essere spiegati o sottolineati.

Il santo per la regia di Roberto Pappalardo si ferma tra la “cassa” del patrono e le uscite della suora. Un episodio ecclesiastico divertito, che però si esaurisce presto. Lasciandosi dietro una retorica un po’ scabrosa, chicchi di riso, ed allusioni al peccato ed al già conosciuto.

Serenella Martufi

England

2008-06-20T03:52:00.001-07:00

La spina dorsale dritta la testa
Piedi sicuri. Piedi rapidi
Gli occhi sgranati.
Immobile (parla?) la bocca.

L’arte per gli uomini. L’arte di un uomo. Una vita per l’arte. L’arte nel corpo, tra i polmoni, sopra e sotto il collo. L’ estetica sfida la vita, il valore dell’una, la relatività dell’altra. I materiali, i colori, le linee dettano legge sul corpi, sul cuore, sulle ossa. England di Tim Crouch, per la regia di Carlo Cerciello presso la galleria Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea, tra le opere di Lucio Perone: la pelle a buon mercato, un baratto di cuore, un pezzo d’arte. Un quadro di un’Inghilterra ricca e frustrata, in cui vige il viaggio, le lingue, tante e intrecciate, l’esotico che non riconosce l’umano. “ Visioni” di un mondo oltreoceano a cui ci ispiriamo, un mito che da sempre c’impone soggezione. C’è arte, “guardate!”. C’è Londra, ci sono storie di gente che conta. Il candore e le collane, gli spazi per chi è stato selezionato, arriva sicuro di capire, di avere gli strumenti, di essere adatto alla situazione, all’altezza. Ma il linguaggio schizza, fugge, cerchiamo di acchiapparlo, capire una trama, rincorrere i personaggi e le loro variabili. C’è ‘lei’, una donna ed è sicuro che è la ragazza, è bionda, gli occhi rigidi e tesi, azzurri potrebbe essere inglese. Un corpo che da statico lo vediamo malato. Mercedes Martini, evoca l’Inghilterra, nella voce, nelle mani nascoste in tasca, impassibile alla gente ad un metro di distanza. Coerente, britannica. ‘Lui’, americano multilingue, importante; sa come muoversi, sistema, assicura, gestisce le vendite e le vite nell’arte. La sua ragazza non può scivolare fuori dalla cornice vicino al Tamigi, immacolata, moderna, dinamica. Non c’è spazio per l’errore, il graffio di un quadro “Don’t touch it girl!”. Non toccare la tela, la struttura, l’impalcatura. I corpi dei personaggi celati da Daniela Ciancia, schegge di nero, di stoffa, di metallo e di viola. Un’idea, un’ispirazione che lusinga chi indossa e chi guarda, un bel clima insomma, appariamo tutti intenditori. Se l’arte esiste vuol dire che ad ogni cosa c’è soluzione, non ci sarebbe spazio per i colori se alla vita fosse concesso di irrompere, di mischiare le tempere, i toni e le tecniche. Il ragazzo non crea ma vende, sa muoversi, è lei ad essere inadeguata, un destino disorganizzato. ‘Lui’ è lì, ma non è nell’attore, Paolo Coletta, è astratto, di difficile comprensione, mette a dura prova il bianco e le linee dritte di quello spazio preciso. Esiste il disordine. Rigore in lotta perenne con l’espressione affastellata, la sofferenza nei movimenti, nell’ispirazione. I contrasti piombano addosso a chi guarda, crollano i miti, i gioielli d’oltreoceano. Perle che cadono a terra e minacciano chi vive, chi guarda, chi interpreta. Il pericolo che qualcosa inciampi, che qualcuno cada o graffi il valore di quello che è esposto. Non si tratta solo di quadri.

Serenella Martufi

Indigo

2008-06-20T03:51:00.001-07:00

I muscoli della donna. I muscoli dell’uomo.
La luce sul corpo. La luce del corpo.
Un ventre che accoglie.
Una curva protesa.
Un volto affogato.

Il maschio e la femmina s’incontrano, si cercano, si allontanano, litigano e si baciano. La supremazia assoluta del corpo, della pelle, dei tessuti. Sei danzatori in Indigo per la coreografia di Paco Decina, in cui fasci di luce disegnano i corpi, li delineano, ed essi a loro volta sfruttano il riverbero per raccontare la loro storia, epopea d’amore, di disagio, di paura, di riluttanza ed infine di conciliazione. Lo spettatore è sequestrato dal fascino del tempo che si dilata, viene trascinato in un contesto a lui sconosciuto, cadendo prontamente nella trappola della poesia. Nell’idea che anche chi non si sta muovendo sul palco ha in sé un nucleo romantico, un nucleo artistico. I danzatori si muovono in silenzio, sembrano piume che intrecciandosi narrano la loro vicenda, che poi è anche nostra: la necessità di avere qualcuno di essere amato, di temere l’esterno. La colonna sonora con musica composta da Xavier Klaine ce lo ricorda costantemente: la voce di Ruth Rosenthal, bellissima, grida disperazione e ripete incessante il bisogno di avere qualcuno o qualcosa che giustifichi il nostro esistere, che ci dia un’appartenenza. La commozione deriva dal riconoscersi debole, impossibilitato a rimanere solo, come quelle dita, quelle mani, quelle schiene che si cercano, continuando i movimenti gli uni degli altri. La solitudine terrorizza, il baratro del singolo; ogni arto, ogni pezzetto di pelle, i capelli, tutto ha bisogno di essere echeggiato, di confidare in un proseguo. La paura della morte forse, della fine, dell’oblio. E dunque i sei danzatori si sostengono a vicenda, scrutando le difficoltà dello stare in piedi. Ognuno cerca, aspira alla verticalità ma ne è terrorizzato, perché essa sancirebbe la solitudine, l’autonomia, troppo ingombrante per un solo corpo. Quando il tempo li costringe a camminare da soli la leggerezza si perde, sembra subentrare la pazzia, l’angoscia di essere scissi, inesorabilmente soli, mentre il metronomo corre e prospetta una fine. Mille direzioni e nessuna, per l’esplorazione di un sentimento dell’ angoscia per il contatto, per l’affetto, per l’amore, forse. Ed è la ricerca intima di ognuno che più affascina in questa danza di gruppo, di compagnia. Ogni respiro calibrato sul corpo del singolo che toccando i compagni crea un polmone comune, il motore di un’orchestra, in cui non c’è inizio e non c’è fine, un cerchio da cui non si può uscire. Individualità diverse che funzionano insieme, un amalgama di peculiarità. Giunti tra loro si difendono e si sostengono, da soli capiscono e decidono.

Serenella Martufi

Nuove Sensibilità 17/06/08

2008-06-20T03:49:00.000-07:00

Capelli selvaggi che coprono
occhi grandi, truccati, vanitosi.
Teste inclinate verso il futuro.
Bocche mute recalcitranti.
Graffi dipinti sul ventre di una donna.

Nuove Sensibilità che prendono coraggio, che evolvono, che vogliono spogliarsi. Mostrare una pelle nuova, giovane, tonica, temeraria. Alla quinta serata al Nuovoteatronuovo, si delineano varie fisionomie. Alcune compagnie hanno dei tratti somatici concreti, consapevoli di essere portatori di innovazione, liberi dall’ansia “da precedente”. Corpi nuovi che osano, rischiano, si sbilanciano, eccedono, alcuni cadono ma almeno lo fanno con dirompente onestà. Altri mantengono dei tratti di un certo teatro “adulto”, un teatro vanitoso, che gode nell’essere guardato e non capisce di tradirsi da solo: una posa che svilisce il racconto.

Di punto in bianco di Lara Guidetti apre la serata in maniera prorompente, su un palco nero sono accatastati oggetti dai colori sgargianti, irrompono tre ballerini che appaiono manovrati, manipolati, posseduti dalla musica che li accompagna. Si agitano, si contorcono, si scontrano, sembrano sempre sul punto di farsi male, di raggiungere un irreversibile climax che però tarda ad arrivare. La coreografia iniziale -le punte, protese i muscoli programmati, le espressioni plastiche- perdono incisività perché si dilatano ben oltre il prologo non arrivando però a una narrazione concreta.

Zia Rosa per la regia di Valentina Rosati vuole raccontarci dell’insoddisfazione, della violenza dei sentimenti, del disamore, del brutto dell’uomo potremmo dire. Per fare ciò c’immette in un palco cosparso di rose in cui ci attende una donna dal volto elegantissimo e curato. Per quanto le sue scarpe possano essere sporche e le rose dovremmo immaginarle sciupate, è molto difficile cogliere il laido della faccenda. Per compensare e per narrare viene introdotto il risucchio volgare di una lingua tra di denti e poi il corpo ripugnante di una donna anziana, mal concia, noiosa e un po’ deficiente. La storia procede dritta, come un corpo in prova che fa un esercizio, che mostra quello che ha imparato.

L’albero per la regia di Marco D’Amore è il primo lavoro della serata che apertamente e onestamente dichiara la sua giovinezza. Il testo e la drammaturgia originali di Francesco Ghiaccio sono di grande innovazione rispetto agli altri lavori, una sperimentazione teatrale completa dall’ideazione alla realizzazione. Questa autenticità restituisce allo spettatore forte emozione e commozione. Storia di due fratelli separati “dalle stagioni e dai paesi lontani” che si rincontrano dopo averci narrato dei loro rispettivi piccoli, durissimi mondi. Gaetano Colella e Marco D’ Amore seppure appaiono nascosti da miriadi di bolle di sapone, sono scevri da orpelli e non usano escamotage di alcun genere. I due attori emergono con talento e tenacia vivendo visceralmente l’infanzia, le sconfitte, le illusioni e le gioie dei due fratelli di cui ci parlano. Teatro nuovo, giovane, sincero e consapevole. Ricordano un nipote che ritrova i suoi tratti somatici nella foto in bianco e nero del nonno nei suoi anni migliori. Un passato che prende bellezza sulla guance distese del nuovo.

Family Show –Acquari di famiglia- per la regia di Lorenzo Facchinelli ci riporta tra le dinamiche delle scene contemporanee. Ci sono molte idee spiegate sui corpi dei personaggi di questa famiglia spagnola, borghese, frustrata e “volgare”. Ogni fisionomia è disegnata con chiarezza e professionalità. Anche lo spazio è gestito bene e funzionalmente al racconto. Ci sono tutti gli elementi, persino la trovata conclusiva che muta i volti degli uomini in pesci. Purtroppo però manca l’imperfezione, il tentativo di distaccarsi, di scegliere una strada poco battuta.

Affascinata (Ammaliàta) composta e diretta da Giuseppe L. Bonifati è il secondo lavoro della serata che stupisce. L’ Orchestra popolare di quattro voci e tre seggiole mette in scena il mondo popolare del meridione, una mescolanza di storie, riti e credenze sostenute da un intreccio linguistico a cui è difficile (e sbagliato) dare dei confini. Il racconto è armonizzato da una partitura per corpi e tamorre che non si spartiscono ruoli distinti, ma danno voce a una storia “qualunque” incentrata sul malocchio. Il gruppo riesce a portare in scena una esemplificazione dell’ossimoro tradizione-innovazione immettendo elementi di forte contemporaneità nella semiotica del popolare. Il corpo di ciascun elemento lavora in funzione della pelle, dell’odore, del suono degli altri. Le fisicità distinte riconoscibili di ognuno danno spessore al lavoro orchestrale che si sviluppa in maniera pienamente teatrale in quanto lavora tanto su un’armonia d’immagini quanto su quella sonora.

Serenella Martufi

P.O.M.P.E.I

2008-06-20T03:44:00.000-07:00

Scusate se nasco.
Scusate se ho occhi.
Scusate se dai miei movimenti vi arriva un odore, un qualcosa di me.
Scusate me.
Scusate.

Come dei feti catapultati nella realtà sensoriale, Alessandro Bernardeschi, Antonio Montanile e Mauro Paccagnella invadono l’aria di chi sta lì immobile seduto a guardare. Si scusano per questa intromissione, non dipende da loro ma dalla danza. Non si tratta solo di punte tese, muscoli affusolati, mascelle rigide e controllate. La coreografia di Caterina Sagna è protesa verso lo studio dell’immagine, di come essa possa essere fuorviante, di come ogni archetipo nasconda un mondo d’imperfezioni e dunque di vita. Il candore del ballerino, della statua, del pulito diventa un falso mito da risolvere. Intraprendere una rivoluzione contro questo bianco che impone una non-esistenza, una perdita di sensibilità. Un danzatore sa anche parlare, può decidere ed interagire. Il pubblico deve vedere che per essere intonsi si deve soffrire, si deve essere disposti a rinunciare ad una propria essenza, alla propria fisionomia. Bisogna ribellarsi a questo soffocante pulizia: il corpo deve riprendersi la propria essenza. Ogni osso, ogni lembo di pelle, ogni pelo creano un tutt’uno pulsante padrone di ogni movimento. Un corpo non ha bisogno di musica per manifestare la propria energia e la propria bravura. I danzatori incalzano il pubblico a proteggere ognuno la propria vivacità. Dobbiamo tutti trovare una maniera per tramandare nel tempo ciò che eravamo, ciò che sentivamo sotto le unghie. Ci istigano a percepire quanto la rigidità sia innaturale, sia una dittatura voluta dal bianco in persona per annientare le differenze, le stonature, le bellezze imperfette. Alcuni gesti convulsi, violenti, reiterati dei tre danzatori mostrano quanto sia difficile dominare autonomamente il proprio corpo, quanto sia necessario avere qualcuno a fianco che ci possa aiutare e sostenere. Forse è per questo che alcuni optano per il candore, per essere controllati e lasciare a terzi la responsabilità del proprio essere. Se è qualcun altro a controllare la mia mano, non potrò essere biasimato se essa atterrerà sul volto di chi mi sta vicino o se si dovesse intromettere nella sua intimità. C’è chi vende la propria autonomia per la tranquillità, c’è anche chi se la vede sottratta, i ballerini, i gessi dei reperti archeologici ad esempio. Qui al Teatro Instabile invece si lavora per rivalutare la nostra organicità. Siamo essere viventi, dunque non possiamo essere mai perfetti, neanche se travolti da ceneri e lapilli e poi colati nel gesso. Siamo sporchi, impuri, e per fortuna imperfetti. Abilmente i tre distruggono canoni e credenze davanti ai nostri occhi spiegandoci perché, illustrando con riso e con enfasi che c’è un’alternativa. Essere amorfi non è un pregio. Nella teca in cui si verrà rinchiusi quando il vulcano sarà, dobbiamo riuscire a portarci la nostra energia, continuare a farla pulsare. Bisogna fottere il tempo, organizzarsi e insistere sul fatto che esistiamo per davvero. Lo sentiamo.

Serenella Martufi

Recensione “A causa mia”

2008-06-19T07:30:00.000-07:00

Processo alle intenzioni

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI – I piccoli ventagli di cartone, che inneggiano stampati i nomi dei protagonisti del festival, sventolano coreografici come le mille e più bandierine attaccate e penzoloni nei Quartieri Spagnoli. Fuori fuochi d’artificio, chissà poi perché, le trombette per gli Europei, anche se non gioca l’Italia. Dentro è marmo sotto, panche di legno, come i soffitti, affreschi da esserne inghiottiti. Tony Servillo è in prima fila: preciso, composto, un solo sorriso d’assenso alla fine. Sembra che sia il solo a non sudare immersi nel caldo sahariano. Scarpetta (Gianfelice Imparato in una delle sue più “felici” stagioni) e D’Annunzio è lo scontro culturale che anima “A causa mia” di Francesco Saponaro, fatto storico tra farsa e parodia, nella realtà come nella rappresentazione di Castel Capuano, in una vicenda che sa di plagio e fregnaccia, di azzeccagarbugli e Carabinieri collodiani con accento leghista, padano e celodurista. Tutto è sopra le righe. Il letto disfatto che tanto sa di basso e d’arte povera, ma dove fioriscono le idee scandagliate tra le lenzuola accartocciate e l’anca della moglie (l’abile Luciano Saltarelli), vigile e dittatoriale, che reprime l’estro, sancisce le priorità, delinea il prossimo futuro in perfetta linea con la società matriarcale del Sud. Nel video-palla di vetro da oracolo, trasognato, in bilico tra il mistico, l’esoterico e la bolla di sapone, che governa dall’alto la scena trova spazio un’altra parodia, quella che ha come marchio il logo dell’Istituto Luce che certifica la bontà e la veridicità del muto scattoso D’Annunzio, quasi un torero dall’aria fiera e mento volitivo, che ha le vesti, il volto e la calvizie, di Peppe Servillo nelle sue occhiaie descrittive, nei sui pensosi accigliamenti in un doppio sipario che quando si chiude nelle immagini apre nella scena a ping pong tra l’alto ed il basso, la realtà (Scarpetta) e l’assoluto (D’Annunzio) irraggiungibile sottolineato dal verso “alla montagna io debbo ritornare” in un gioco-scontro di sguardi di pupille sgranate, di ciglia sbattute. Ed irascibile, vista la causa giuridica. Maometto e la sua montagna da scalare. La bombetta ed il pizzetto, così iconograficamente semplici e puliti, fanno respirare la diversa visione d’insieme. Ed il grottesco raggiunge il massimo della partenopeicità con il Giudice-Santo agghindato con corona che impugna un albero-scettro con piccoli falli metallici e tintinnanti in un processo che anche nell’assoluzione sa di sconfitta fischiata sonoramente. Per tutti.

A CAUSA MIA di Francesco Saponaro

2008-06-19T06:21:00.000-07:00

Primeparole. La sala è poco illuminata. Anticamera. Affollata, sempre più, di spettatori in attesa di ritrovarsi tutti insieme testimoni. Abbiamo un processo da affrontare. E sarà da ridere e scorgere. Entriamo spediti, posti-in-piedi, siamo spettri che giocano coi vivi che evocano spettri.

di Sergio Lo Gatto

Ecco le suggestioni. Una volta dentro, la sala è nelle mani di tecnici e scenografo (Lino Fiorito), che sappiamo hanno preparato di tutto per stupirci. Lo spettacolo, prodotto dal Festival con Mercadante, Stabile d'Abruzzo e Teatri Uniti, in prima assoluta, porta il sottotitolo “il processo D'Annunzio-Scarpetta – teatro e cinematografo a Castel Capuano”. È stato pensato per quel luogo in cui le tenui ma grasse luci di Cesare Accetta ci chiudono, come in una cattedrale.

Scarpetta (Gianfelice Imparato) dorme in un letto in fondo alla sala, tormentando a schiaffi e calci la moglie Rosa (Luciano Saltarelli), mentre sul maxischermo alle sue spalle scorre il film muto/incubo di D'Annunzio (Peppe Servillo) e del “gregge” de “La figlia di Jorio”. Il risveglio, omaggio a “Natale in casa Cupiello”, ci getta in un divertente battibecco moglie-marito sulle pene d'artista di Scarpetta drammaturgo, alle prese con l'ossessione di parodiare il dramma pastorale di D'Annunzio. Eduardo si figura in testa – e a parole – il capolavoro comico che sarà, montandolo nel particolare davanti agli occhi del pubblico, con tanto di materializzazione dei personaggi, in un efficacissimo flusso di genio creativo sputato quasi in gramelot. È la lingua dello spirito. Poi la decisione di Scarpetta di andar a domandare scritto un permesso allo stesso Vate, trovato sullo schermo di un nuovo film muto, stavolta con tanto di sottotitoli, nel suo harem di donne lascive. Sordo anche ai “versi” per chitarra e mandolino dedicatigli dal maestro di Napoli, nel rifiutare di cedere i diritti a nuovo autore. Sarà poi, dopo i fischi impietosi del Mercadante bestemmiati da Scarpetta, la volta di una lunga chiosa del giudice Giuseppe Lustig (perfetto Gigio Morra), che scagionerà il drammaturgo dall'accusa di plagio e diffamazione, lasciando tuttavia spazio a una morale amara.

Imparato è grande nel volare sul dialetto stretto, anche pagando qua e là con la moneta dell'incomprensibilità, ma regalando poi, soprattutto nei tratti del testo (di Marfella, Marino, Saltarelli e Saponaro) sapientemente musicati da rime e assonanze, pillole di puro estro scenico che non dimentica mai il corpo a sfavore di pubblico.

Più di tutto si gustano drammaturgia e produzione in generale, con un accordo felice intonato da Servillo/D'Annunzio, prodigo d'espressioni minute e “in stile”, come durante la “serenata” di Scarpetta.

Sergio Lo Gatto

Recensione England

2008-06-19T03:32:00.000-07:00

Un cuore senza capanna

di Tommaso Chimenti Bencini

NAPOLI - Il cerchio si chiude a ventaglio, partendo dal taglio delle foto alle pareti, verticale che indica la ferita, lo squarcio verso il sesso, nel profondo, nella pancia, nel ventre che rilascia la vita, la stessa protuberanza cavica e cavernosa malata, fino alla sostituzione, allo spostare l'essenza, il respiro, il cammino, il donarsi, l'amare. “Guardate” dicono i due amanti in questa loro casa-museo di morte apparente. “Guardate” ed indicano le pareti compresse della Galleria Primo Piano, spazio perfettamente sovrapponibile al testo di Tim Crouch, per la messinscena di Carlo Cerciello. Perifrasi chiave, nella traduzione graffiata di Luca Scarlini: “Se non fosse stato per te sarei morto”. Dedizione e supplica, mistero della fede. La donna è malata, e di lui succube, l'uomo è un mercante d'arte, particolare da non sottovalutare nell'esplicazione, con rimandi, a ritroso, a gambero, della vicenda, trama infittita, di lanci e ritorni, a zig zag dentro il testo, alla scoperta dello stesso. Scambiare, prendere, vendere, ricevere, contrattare. La malattia è l'opera d'arte del nostro tempo, la perfezione di corpi fallaci e fallimentari, di macchine irrisolte, piene di difetti congeniti, perché la vita è l'unica patologia che si cura con la morte, panacea di tutti i mali stagnanti. Ed in questo continuo scambio di ruoli tra i due, superba Mercedes Martini, cinico e ficcante Paolo Coletta, nel contingente spostamento spazio-temporale tra la galleria e Londra, con pareti e vetrate identiche a stabilire un contatto percettivo e visuale, nell'esigenza della trasformazione contenitiva dei luoghi, “England” diviene processo, e alle intenzioni di una intera società, e al bisogno, estremo, intenso, eterno, di avere idoli e santi terreni, totem da dover poter pregare a mani giunte, simulacri non intercambiabili come organi, altari ai quali votarsi, anima e corpo, per carpirne la pace interiore, visto che quella della carne è mangiata giorno per giorno, ora per ora, dalla vita che scorrendo si tramuta, e trasmigra le proprie cellule grigie in anfratti segretissimi di respiri da ventun grammi. Il face to face, contemplativo e senza contatto, ma per questo non senza sangue, mentre in audio la terza donna in nero cerulea e mortuaria con il suo mini transistor spiana la strada a ticchettii ospedalieri da screen con diagrammi verdi e bip ritmici, tra la vita che scorre nel corpo risanato e chi è rimasto, orfano e sottratto, del caro strappato per concedere il suo chilo di manzo pulsante di aorte e ventricoli, è un concentrato di speranze negate, di perfezioni rubate, di tumori tolti e regalati sotto forma di quadri in una riconciliazione tra vivi impossibile da sostenere anche solo con lo sguardo. Perché se l'opera d'arte è la malattia, che genera e riproduce vita, la salvezza, effimera e temporanea, chirurgica, ha il sapore del capolavoro. Fino alla prossima pennellata di bisturi.

L’EREDE DI PULCINELLA di Valerio Balestrieri

2008-06-18T08:19:00.000-07:00

Sulle tracce di Eduardo Scarpetta, la commedia musicale
di Giuseppe Sollazzo, compendio del Teatro partenopeo
QUI RIDO IO

Di Giuseppe Sollazzo

MY Showreel

scene Michele Della Coppa
costumi Luisa Biglietti
musiche Patrizio Trampetti

Durata: 2h
TARGET - Spettatore livello AMATORE dai 25 anni in su

DRAMA – Teatro nel teatro; una compagnia teatrale partenope, sostenuta da ‘Asesori’ (per dirla alla Petrolini) e finanziatori ‘en travestì’, è sulle tracce di Eduardo Scarpetta nel tentativo di produrre un lavoro per un rinomato Festival Europeo (chissà quale?). Avanti e indietro nel tempo, tra prove e fiction si assiste alle fasi salienti della vita del celebre autore napoletano, erede, anagrafico e storico, del più famoso Pulcinella di Napoli, Antonio Petito che gli muore tra le braccia: " Non è morto un uomo, ma è morto un Teatro!". Il giovane Eduardo, da attore di fila, diviene pian piano protagonista, autore e capocomico di un suo Teatro dove mette in scena Napoli e le sue maschere, non più ‘di pulcinella’ ma ‘di popolo’, diventando così capostipite di un genere teatrale.
SET – La scena è tutta teli, come il teatro dei burattini di una volta, persino l’arlecchino è dipinto. Anche il trucco è volutamente forzato; in scena attori o ‘pupi’? Il sipario è parte della scena, si apre se si chiude senza regola mentre i fondali (anch’essi dipinti) cambiano a vista durante ‘la recita’; almeno in Teatro, il passaggio da vicolo ad interno borghese, dura pochi secondi.
ACT – Commedia corale propone un cast di otto attori che vivono tutti i personaggi (anche quelli in cerca d’autore). Il loro slogan è ‘potere agli attori’ e lo esercitano, senza ombra di dubbio, passando di ‘panni in panni’ come funamboli che, senza rete di protezione, cantano, ballano e recitano.
MOOD – C’è Napoli e c’è il mondo. Scarpetta è il pretesto. Si racconta di Teatro che è, e che fu, con la penna di chi, evidentemente, lo vive, ancora tutt’oggi. Commedia all’italiana che celebra i suoi momenti più alti nelle citazioni di ‘Miseria e Nobilita’ e gli altri capolavori di Scarpetta. La regia e vivace con qualche allegoria di troppo. Si finisce come sempre a tarantella. "Siamo trottole (strumml)…e dove andiamo, andiamo, Dio sta a guardare!". Per la cronaca, Petito e Scarpetta, prima di morire "Se piglian’ u’ café!". Così si muore a Napoli.

Una produzione
Associazione Culturale Teatrale
Orazio Costa La Maschera

Valerio Balestrieri

NUOVE SENSIBILITA' - Martedì 17 Giugno, Teatro Nuovo

2008-06-18T07:07:00.000-07:00

di Valerio Balestrieri

5 atti unici da 20 minuti, 5 progetti, 5 Compagnie, 5 Regioni differenti.
Un unico filo rosso che li accomuna…i 5 sensi.

MY Showreel

Durata: 100 minuti + intervalli
TARGET - Spettatore livello BEGINNER dai 20 anni in su

LA VISTA
Di punto in bianco, testo, coreografia e regia Lara Guidetti
Il corpo sociale si muove, si agita, agisce in azione perenne tra voci e rumori che non sono né musica ne disturbo. E’ più un suono univoco, il suono del tutto. Il corpo vive in questo tutto agendo senza senso…le azioni quotidiane riproposte in rapida sequenza meccanica sanno più di androide che di uomo. D’un tratto il ‘patatrak’! Un virus porta la cecità ad un intera popolazione che viene così ‘oscurata’ in un ‘ghetto’; è qui che i ‘malati’ smettono di agitarsi (vivere) e cominciano (o ricominciano?) a strisciare. E’ la vista il mezzo. E’ la vista il linguaggio sociale comune. Senza occhi è tutto un groviglio di corpi che si aggrappano l’un l’altro. Non è più vita.
L’OLFATTO
Zia Rosa di Tennessee Williams, regia Valentina Rosati
E’ una zia come tante, tutta cucina e attenzioni per i nipoti (uno ‘di carne’ ed uno acquisito) che l’hanno accolta in casa. E’ ripiegata su se stessa, come chi ha incassato molti pugni dalla vita. Adora e odora le rose; il suo unico e solo ‘impegno’ è salvare il roseto dal vento e così, in attesa della bufera, munita di forbici taglia i boccioli. I nipoti sono vuoti; tv e chiacchiere. La zia è un peso, deve andare via. Il dolore la distrugge e stretta nel roseto si lascia morire nell’ennesima tempesta. L’olfatto è il suo tramite, è il filtro che all’odore di rosa, rende tutto più sopportabile, persino la morte.
IL GUSTO
L’albero, di Francesco Ghiaccio, regia Marco D’Amore
Due fratelli, uno andato e uno rimasto. Giocavano insieme sotto un’albero. Adesso quello ‘rimasto’ è solo. Mangia, i buoni ‘sapori di una volta’ ricorda non volendo ricordare. Dimentica allora, i giochi e le persone. Anche qui c’è odio e sopravvivenza. Il mondo è scomodo specie per chi è solo. E se il fratello torna? Allora si può ricominciare a giocare. Sotto quell’albero magari, da cui in verità non si è mai allontanato. I rami alti, sono alti, solo perché alla base c'è il tronco che li regge. E’ questo il trucco. E’ questo il sapore della vita ‘di famiglia’.
L’UDITO
Family Show, regia e drammaturgia Lorenzo Facchinelli e Mara Ferreri
Tutti in un acquario, come pesci tropicali. E’ questa l’immagine voluta. Pesci rari, di colori e forme diverse che vivono nella stessa poca acqua. E’ una famiglia. Le relazioni sono telefoniche, gli intrecci viaggiano sul filo dei non detti (sempre al telefono). Incontri e scontri, nati per volontà o per caso, nell’era di una comunicazione filtrata da apparecchi; e si sta assieme giusto il tempo di una foto: un istante. Ci si sente, ma non ci si ascolta, l’udito è solo per se stessi.
IL TATTO
Affascinata, testo e regia Giuseppe L.Bonifati
Il tatto delle due mani giunte in preghiera. Il tatto del tocco della ‘tammorra’ che accompagna la scena. Il tatto delle mani di chi sa togliere ‘l’affascino’ con acqua e olio. Come nella tradizione di Roberto De Simone di donna c’è solo un carattere mascolino, quasta volta a petto nudo. Sacro e profano si intrecciano, come dita; l’anziano che comprende e vorrebbe conservare, il giovane che vuole a tutti i costi ‘provare’. E’ il gioco delle parti, sotto un velo di cultura popolare che in qualche modo cerca di preservare, con il magico, le virtù. Ma in un modo o nell’altro il tatto, il toccarsi di uomo e donna in questo caso, prima o poi, farà il suo corso.

Valerio Balestrieri

ENGLAND di Tim Crouch, con Paolo Coletta e Mercedes Martini. Regia di Carlo Cerciello

2008-06-18T06:42:00.000-07:00

Non sarebbe forse possibile raccontare una struttura così complessa. Una rete in cui rimangono incastrati rapporti, sogni, desideri, dolori e delusioni. Non sarebbe giusto rendere lineare questo flusso continuo.

di Sergio Lo Gatto

PRIMEPAROLE. L'arte è universale. Guardate. Sono un riflesso di tutto il mondo in viaggio per mille specchi. Guardate. Da qui si vede tutto. E io dimentico di ogni punteggiatura. Basta punto. Non c'è spazio per l'ambiguità. Non è arte. Questo è come appariamo.

Queste le righe che questa penna, come a dire questo cuore, stillava, mentre “guardavamo”, appunto, “England” di Tim Crouch alla Changing Role Gallery. Il misterioso ingresso di una donna con cappello e occhiali scuri ci suggerisce che in quel luogo piccolo e caldo qualcosa di grande sta per accadere. Poi, come sangue che invade in silenzio piccola ferita, ecco sgorgare prima lei, poi lui.

Lei alle prese con il racconto di un amore totale, lui dal fare sufficiente ed ermetico, tutt'uno con le opere d'arte che per mestiere valuta e per tasche d'altri acquista. Immersi, noi con loro, nella considerazione del luogo, proprio quella Changing Role Gallery di Napoli che s'immagina invece essere a Londra - “da qui si vede la Tate Modern” -, trasformata in museo della solitudine di coppia. E tale resterà, che loro parlino o semplicemente guardino, noi saremo con loro ovunque vorranno portarci o farci guardare - “guardate!” -, ovunque.

Eleganti, annoiati e sexy, due inglesi perfetti sono i napoletani Paolo Coletta e Mercedes Martini. Asciutta e trascinante la scrittura dello scozzese Tim Crouch, tradotta con sapienza da Luca Scarlini e con forza diretta da Carlo Cerciello che, ci dice Coletta, ha voluto togliere ogni frivolezza alla recitazione dei due.

Arte dell'apparenza, sangue vivo della sostanza, soprattutto se dal difficile rapporto tra i protagonisti si cade sulla falce della morte, si parla di cuori trapiantati, si amano parole come cura, malattia, espiazione, dolore. È in ogni angolo, “England”, un trapianto perfettamente speculare, dal concetto di compravendita d'opere fino al colloquio – spinto avanti da un'efficacissimo dialogo con interprete – con la moglie del morto che ha donato il cuore a lei. Si parla di lei e di lui, nomi non si concedono volentieri, nel testo tutto appare come un flusso continuo interrotto da spazi. Ci si confonde spesso e volentieri su quale sia il momento narrato, quale lo spazio, ma mai su quale sia il senso, cuore che pulsa di inesorabilità, nello spazio angusto e caldo in cui, in fin dei conti, nulla si risolve. Magistrale. Davvero magistrale.

Sergio Lo Gatto

ENGLAND

2008-06-18T06:20:00.000-07:00

Due persone. Un uomo e una donna. In una galleria d'arte che potrebbe essere qualunque galleria d'arte. Comunicazione frammentata. Frammenti di informazioni. Capiamo che la donna è malata di cuore. Capiamo che il suo "ragazzo" è un mercante d'arte. La bellezza dell'arte, dei quadri. La spaventosa morte. La perfezione. L'imperfezione. Uno spettacolo che ruota intorno ai temi dell'identità, della cultura, dei viaggi, della comunicazione.
Spettatori e attori si mescolano in uno spazio che ha superato le barriere di palco e platea. Due gli ambienti, all'interno della stessa galleria, in cui si svolgono i due atti della pièce. In mezzo, uno spazio comune nel quale gli spettatori vengono portati altrove, in un luogo in cui convivono intimo e universale, dove grandi concetti etici e morali sventolano alle spalle delle personali storie dei due personaggi.
L'ultimo lavoro di Tim Crouch, nel riadattamento italiano di Carlo Cerciello, è un susseguirsi di frasi, secche, imperative, lasciate fluttuare nell'aria, due voci che si alternano e, di quando in quando, parlano all'unisono. Niente ci è chiaramente spiegato, allo spettatore il ruolo di mettere insieme i pezzi del puzzle.
Due perfetti inglesi, molto eleganti, molto sobri, con un self control tutto "british", alle prese con la tragedia di una malattia, vedono crollare il loro mondo di bellezza, di arte. La donna è malata. Il potere dei soldi le riesce a procurare un nuovo cuore e le regala ancora alcuni anni di vita. Dall'altra parte del mondo una donna ha perso il giovane marito. La donna e il suo nuovo cuore viaggiano per ringraziare, per portare un dono alla vedova del donatore, per il nuovo cuore che ora le batte dentro procurandole un certo senso di estraneità. In compenso riceve indietro una nuova storia su come il cuore è stato ottenuto, non donato. Quel cuore, in cui la vedova riesce ancora a sentire il marito. Una pièce adatta ad essere trapiantata in molteplici luoghi, pur rimanendo intatta nella propria intensità.

Eleonora Tedeschi

LEI. CINQUE STORIE PER CASANOVA

2008-06-18T05:25:00.000-07:00

Cinque scrittrici italiane sono state invitate a immaginare la storia delle donne di Casanova. Le vicende del celebre seduttore sono quindi ri-viste con tutta la profondità dell'occhio femminile da Paola Capriolo, Benedetta Cibrario, Carla Menaldo, Maria Luisa Spaziani e Mariolina Venezia
Passiamo attraverso corridoi, chiostri e stanze affrescate della magnifica Certosa di San Martino e nel nostro percorso incontriamo cinque donne.

" Quando uscivo dalle notti lunghe avvinghiata al suo corpo tutto portava il suo odore. Ogni cosa l'odore della sua pelle(...) Di sesso, sapeva." La monaca M.M. è sul suo letto. Una stanza scura e austera. È lei che ha insegnato a Casanova come sedurre una donna attraverso i tutti i sensi e adesso, in un letto pieno di fantasmi, notte dopo notte, nella sua reclusione volontaria si lascia lacerare dal desiderio.

"Ho desiderato davvero che tu amassi ancora come hai amato me. Con la stessa bruciante intensità (...) Non esiste nulla che possa farci sentire vivi più della passione, ed è vivo che io ti voglio (...)" È mollemente adagiata in una bianca vasca da bagno, dietro di lei uno struggente tramonto sul Golfo di Napoli. È la dolce Henriette, il primo amore di Casanova. Sono passati dieci anni e nel saperlo vicino il suo cuore ha un sussulto. Ma non cede alla tentazione di rivederlo. Fuggendo da lui ha conservato intatta la felicità del loro amore, redendolo così eterno.

"«Su, Marie-Anne, ringrazia il signore come si deve...» E io ti ho ringraziato, a modo mio. Si può dire che non abbia mai fatto altro." La terribile Charpillon è rinchiusa in cella, in mano ha gli orecchini di Casanova. Quei piccoli luccicanti oggetti le hanno insegnato che per avere bisogna dare qualcosa in cambio, sempre. Gli orecchini per i quali aveva dato il suo primo bacio. A Casanova.

"Nè mariti né gendarmi, né padri infuriati né alluvioni (...) niente lo aveva costretto a rinunziare a un amore (...) Possibile che proprio l'ingenua sposina lo avesse messo nel sacco?" Ed ecco Lucrezia, l'unica che è riuscita a far piangere Casanova. La pudica e candida donna, pur di non vederlo sposato alla giovane figlia gli aveva fatto credere che lui ne fosse il padre. Abilità di donna.

"(...) in amore la più grande vittoria sta nell'arrendersi, e fra tutti i sensi, in grado di procurare il massimo piacere è quello che pur non essendo uno di loro tutti li racchiude e li trascende: Il cuore". È con l'esuberante e fresca Lia che si conclude lo spettacolo. La cruda verità di un Casanova ormai vecchio e la sua fama leggendaria stridono al punto da far nascere nella giovane diciottenne il desiderio di darsi a un attempato Casanova.

È con un senso di gratitudine che lo spettatore si congeda. Gratitudine per l'emozione di una notte d'estate sotto la luna piena, per le parole, per la magia del luogo, per l’altra faccia della medaglia di quella che non può definirsi altro che una grande storia d’amore.

Eleonora Tedeschi

LE TROIANE

2008-06-18T05:16:00.000-07:00

Non è necessario conoscere Euripide e la storia dell’antica Grecia, non è necessario conoscere francese, portoghese e spagnolo per capire questa tragedia dal volto femminile. Perché la desolazione, i toni, i volti parlano un linguaggio comune a tutti. In una scenografia desolata, brulla, sulla nuda terra è rappresentato il dramma delle donne troiane dopo la sconfitta, in attesa di essere portate via e spartite come schiave dai vincitori.

Le Troiane è il lavoro di esordio della Compagnia Teatrale Europea, guidata dai registi Annalisa Bianco e Virginio Liberti e formata da giovani attori provenienti da cinque paesi diversi. Una compagnia multiculturale e multilingue dunque, che porta sul palcoscenico suoni e voci di lingue diverse, sottotitolate, tradotte in scena ma anche lasciate semplicemente lì, incomprensibili. Perchè tanto anche chi non conosce la lingua capisce il dramma, capisce cosa voglia dire non capirsi. Vincitori e vinti, troiani e greci, due culture diverse, sottolineate dalla diversità linguistica.

Riflettori puntati dunque sui deboli, sui vinti. Riflettori puntati sulle donne troiane. Riflettori puntati sulla violenza, sulla desolazione che la guerra si lascia dietro le spalle. Una violenza di morti, di tombe che spuntano in mezzo a gigli bianchi, una città distrutta, in fiamme. Il destino di Ecuba, Cassandra, Andromaca e Elena è il destino delle vittime di tutte le guerre del mondo. L’attualità della guerra si impone in questo spettacolo. Come non pensare ai massacri quotidiani, ai teatri di guerra di cui anche oggi è pieno mondo? Una tragedia che acquista attualità attraverso le parole della scrittrice Susan Sontag e della giornalista russa Anna Politkovskaja.

Le donne dicevamo. A loro si contrappongono uomini e dèi. Vestiti in moderni abiti estivi dai colori chiari e occhiali da sole, ridono alle loro spalle, scherniscono la loro disperazione, leggono il giornale, pescano, mangiano pizza, chiaccherano e si scambiano sigarette. Il destino delle donne troiane è deciso e le vediamo in attesa in quella che ha tutta l’aria di una sala d’aspetto. Una Ecuba vestita a lutto, alla maniera delle donne meridionali, si dispera insieme alle altre che subiranno la sua stessa sorte, e si sdoppia in tre diverse figure, tre attrici diverse a rappresentare la lacerazione interna. Le nere navi greche arrivano. E’ la fine di Troia.

Eleonora Tedeschi

CHIE CHAN E IO

2008-06-18T05:10:00.000-07:00

Quattro donne, quattro voci attraverso le quali fluisce il monologo interiore di Kaori, un coro polifonico in cui le parole rimbalzano e si susseguono in una scenografia completamente bianca, onirica. L'adattamento teatrale del romanzo di Banana Yoshimoto porta in scena gli strati più profondi dell'anima di una quarantenne single e indipendente che scopre il bisogno dell'altro. Chie Chan, la cugina poco più giovane di lei della quale si prende cura dopo la morte della madre, è silenziosa, eppure riempie lo spazio con la sua presenza. Con i suoi fiori, con i suoi gesti ripetitivi crea per Kaori uno spazio di serenità. Chie Chan è come un caminetto acceso, il fuoco illumina, scalda il viso e dona un senso di pace e di appartenenza. Chie chan, con la sua presenza, infonde a Kaori una tranquillità così estenuata da sfociare in tenera malinconia e languore.
La paura della morte. Da un incidente, non grave, capitato alla cugina, si snoda la riflessione di Kaori. La morte delle persone amate, la morte di Chie Chan. Cosa accadrebbe se Chie Chan morisse? Da quella domanda, da quella paura si dipanano pensieri che si intrecciano, si sgretolano, si sviluppano in millle altri fili, a creare una ragnatela, un coro di voci, domande, desideri. La soddisfazione dei desideri materiali di lusso ed eleganza non appagano il desiderio dell'anima di dipendenza, non valgono la vita di qualcuno che ami. E' il significato di famiglia la base di questa riflessione. Cos'è la famiglia? Un mero legame di sangue, o un'affinità di anime? Stare insieme in silenzio, guardare il mare senza dire una parola. Il silenzio di Chie Chan riempie la casa e la vita di Kaori. Eppure, si scoprirà alla fine, Chie Chan non è realmente sangue del suo sangue, è stata cresciuta dalla zia ma non è sua figlia. Il legame non viene meno, la condivisione e l'intimità neanche. La famiglia è un caminetto acceso, l'odore della zuppa di riso preparata da Chie Chan, la famiglia è sentirsi piantati a terra con solide radici, la famiglia è non sentirsi soli.
Tutto cambia e, anche se impercettibilmente, si trasforma. Kaori prova a pensare a qualcosa di solamente suo: il bianco e il celeste di Napoli vista dal traghetto, le luci di Murano, l'azzurro della Cappella Sistina, il profumo dei limoni, il bacio nel silenzio dell'aereo di un uomo originale e misterioso, i fiori di Chie Chan, i ricordi, luoghi che superano i confini del tempo, il rosso di qualcosa che brilla nel petto, il luccicante mistero che ogni persona porta dentro di sè.

Eleonora Tedeschi

Nuove Sensibilità del 16 giugno

2008-06-17T04:07:00.000-07:00

Nuove sensibilità che vanno accettate in quanto tali, in quanto spinta, dolce o potente che sia, verso orizzonti ancora poco conosciuti, oppure conosciuti ma da altri in altri tempi, altri spazi e dedicati a orecchie altre e altri occhi.

SERVE di Gianluca Cheli - Monsieur Jean Genet e le sue serve, che giocano allegoricamente con l'aristocrazia in una sorta di limbo metaborghese. Questo da copione. In scena, tre televisori sintonizzati a filmare il rasoterra della cultura mediatica, da De Filippi a talk show vari. Un triangolo che è più una piramide spianata, a ricordarci, non bastasse l'inginocchiatoio, che quello di Genet è un luogo di culto in cui si celebra l'apparenza. Due attrici - ché tali rimarranno fino in fondo - entrano spedite in sottoveste e mezza maschera. Il resto è forse troppo gridato e sa di eccesso qua e là, dove la messinscena ricalca ciò che scenografia e testo avevano già deciso. Come spesso accade poi nelle operazioni di recupero testi, dal conto avanza a tratti il rischio di attualizzare a tutti i costi, anche quando, come in questo caso, il testo dice tutto. L'idea di tener nascosto il viso delle due serve è rischiosa, viaggia sul filo pericolante dell'anonimato spinto oltre, anche dove non si riesce sempre a sostenerlo.

In BIOS UNLIMITED Filippo Andreatta sfoglia pagine di letteratura pura e, dove a dettare è il Paul Auster di “Esperimento di verità”, pagine di resoconto il più possibile, appunto, scientifico. Sempre che una scienza della casualità in fin dei conti esista. Pagine di narrazione, che l'autore sceglie di far "intrasentire" registrate, mescolate a sottofondi confusi che spazzano le immagini. È uno spettacolo di figura, ché sulla scena sole sorgono piccole case di legno come d'uccelli migrati, vuote. E niente altro accade se non il cambio delle luci che vi s'incastra su spigoli e buchi che le rivelano cave. Se l'idea è interessante, era forse necessario osare di più nella partitura sonora e nelle stesse luci, specialmente se l'idea forte doveva essere quella della grande città che è continuo movimento, continuo spiegarsi di vite e incrociarsi di sguardi.

C'è poi la piccola e felice impresa di VERY CONTEMPORARY MEN, in cui Damiano Madia che elabora l'ironia, l'humour nero e l'assurdità globalizzante e globalizzata del buon Rodrigo Garcìa, per costruire uno specchio che ci ritrae tutti. Il tema è quello generazionale e, al ritmo dell'ultraglobal televisivo che incastra coreografie da sfida di “Amici” – esilaranti – e monologhi che cabaret zelighiano. Al suono di una umile chitarra pop, viaggiando tra accento torinese e slang siciliano si abbatte qualsiasi parete, verso un coinvolgimento emotivo che ci fa rimpiangere la breve durata di quello che – ci conforta – è solo uno spezzone, uno studio di ciò che sarà.
Memorabile il segmento finale in cui, in un ennesimo inchino a Garcìa, il duello è tra l'artista e il critico, che insiste per premiarlo in virtù della sua manifesta “sofferenza”. Ammicchiamo ai giurati, insomma, ma nel modo più fine. Una grande prova di ascolto e divertimento, per la prima vera boccata d'aria della serata.

MATERNITÀ (VOLEVO FARE UN FIGLIO MA POI C'HO RIPENSATO) di Reggimento Carri, Roberto Corradino. Prendendo spunto e – forse inutilmente, perché solo per qualche particolare – adattando all'Italia (è citato il format “C'è posta per te”) “Wiping My Mother's Arse” dello scozzese Iain Heggie, Corradino schiera in riga una vecchia madre tignosa (bravissimo, en travesti) e il suo medico di fiducia, raggiunti poi dal figlio di lei con relativa fidanzata. Si percepisce, purtroppo, la differenza tra attori più o meno bravi, specialmente quando la scelta registica radicale del piazzato che illumina una composta riga di corpi richiede invece eccellenza distribuita ovunque, ché una voce senza corpo, se è rischio corso per partito preso, difficilmente risulta davvero efficace.

SE SI HA L'AMORE IN CORPO NON SERVE GIOCARE A FLIPPER di Livia Gionfrida. Entrando in sala le hostess consegnano agli spettatori una bandiera dell'Italia. “Così partecipate”, dicono. Sul fondo appaiono cinque personaggi vestiti di bianco, rosso e verde. Lo spettacolo si gioca a numeri, uno ciascuno, ognuno un frammento del nostro paese, tra ansie da prestazione, masturbazione, omofobia, calciomania e violenza. Si passa da uno all'altro in un confondersi e riconoscersi nei movimenti, ché le identità dei protagonisti sono filtrate attraverso lenti da sole che non svelano mai. A farla da padrone è l'eccesso in tutto e per tutto, anche laddove un urlo di meno non avrebbe guastato. Ma c'è grande attenzione al corpo e al suo potere di schiudersi e nascondere, nel gioco d'ammiccamenti a un nuovo nazionalismo che incombe. Ad ogni modo la performance stilla più politica e riflessione sociale di quanto non stilli parole e pensieri di Fassbinder, a una nota del quale il titolo rimanda.

Sergio Lo Gatto